Die CDs der Woche - 2025:

Für KW 26: Bruce Springsteen - "Tracks II: The Lost Albums" (Columbia/Legacy)

Aufregende Wochen für Springsteen-Fans! War ich ehrlich gesagt auch mal, mittlerweile hat sich das ein wenig gelegt, trotzdem konnte ich nicht umhin, mir diese Box komplett anzuhören. Im Mai erschien erst seine "Land of Hope & Dreams"-EP mit tollen Live-Versionen und ein paar beeindruckenden politischen (Anti-Trump-)Statements, dann kam er für ein paar Stadion-Konzerte nach Deutschland und jetzt folgt „Tracks II“: Eine Sammlung von sieben CDs, 83 Songs, mehr als 5 Stunden Musik, offiziell sieben komplett ausformulierte Alben. Manche der Alben haben zwar noch starken Demo-/Garagen-Geruch, aber es wäre natürlich trotzdem eine Schande gewesen, sie nicht zugängig zu machen. Und genauso kann ich mir auch vorstellen, dass es kein Geschenk gewesen wäre, sich diese Songs noch einmal vorzunehmen und weiter zu bearbeiten. Also haben wir 83 mehr oder weniger Songs, bei denen manch gute Ansätze erkennbar sind, und für die vor allem Fans natürlich unglaublich dankbar sind, dass sie jetzt veröffentlicht werden. Spannend auch für nicht  Die-Hard Fans ist die Spannbereite, die diese Alben abdecken. Wobei in den meisten Fällen (nämlich ausgenommen CD #6, s.u.) jeder Stil nicht untypisch ist für das Gesamtwerk Springsteens, aber erst hier wird deutlich, wie viel mehr dahinter steht und wie viele weitere Songs offensichtlich dahinter stecken können. Zudem macht es offensichtlich einen großen Unterschied, wo (oder mit wem) die Songs produziert wurden.
Die ersten 19 Songs sind in L.A. in der Garage entstanden, so zumindest der Titel des (Doppel-)Albums, weitgehend basierend auf Gitarre und Gesang, manche Songs haben auch Bass und Schlagzeug mit drin. Die Songs der „Streets of Philadelphia Sessions“ haben ein komplett anderes Klangbild, mit Drum Loops und Synthesizern, sind generell weiter aus produziert, also fertiger, was aber nicht zuletzt an der gewählten Technik, sprich den Keyboards und Computer Drums liegt. Wirkliche Highlights sind auch hier aber nicht dabei. Das folgende „Faithless“ Album ist ein Soundtrack für einen Film, der nie produziert wurde - komplett ruhig und eher Springsteen-ungewöhnlich. Es folgt ein Album im Nashville-Stil: Blues, Country und Americana, Pedal Steel Guitar inklusive. Positiv anzumerken ist, dass hier ein bisschen mehr passiert, dass die Songs auch weitgehend fertige Songs sind und dass hier deutlich mehr Energie im Spiel ist. Allerdings ist der Stil gewöhnungsbedürftig. „Inyo“ ist wieder das komplette Gegenteil, akustisch und sehr ruhig.
Die größte Sensation unter den Alben ist dann „Twilight“: Songs wie „Sunday Love“ und „Late in the Evening“ hat man von Springsteen noch nicht gehört. Die Plattenfirma spricht von Orchesterklängen wie in einem Film Noir der 1950er, ich würde es fast Soul oder Crooning nennen; fast sensationell.  Und wie um den vorletzten Satz Lügen zu strafen folgt zu guter Letzt noch „Perfect World“ – und das macht seinem Namen alle Ehre, rechtfertigt es doch für manche Fan wohl die Anschaffung dieser Box. Angeführt vom programmatischen „I m Not Sleeping“ (sonst hätte es diese Box wohl gar nicht gegeben!), gibt es hier ein fertig ausproduziertes Album, das so manchen Hit und so manche typische Springsteen Wendung enthält. So interessant auch die (Elemente der) anderen Alben in dieser Box sind, für „Perfect World“ ist es schon eine Schande, dass es nicht zur Zeit der Fertigstellung veröffentlicht wurde.

Für KW 25: Nad Sylvan - Mounumentata

Er hat eine dieser Stimmen, die man sofort im Progressive Rock verorten möchte. Hier scheinen Fans weniger verwöhnt und mit Fokus klarer auf der Musik, als auf dem Gesang. Dennoch, die Stimme von Nad Sylvan ist gewöhnungsbedürftig. Objektiv betrachtet absolut einwandfrei, und durch seine Ähnlichkeit zu Peter Gabriel allen früh-Genesis und Steve Hackett Fans längst ans Herz gewachsen, ist es u.a. die leicht näselnde Art, die im im kommerziellen Musik Business vielleicht etwas Erfolgsprobleme bereiten könnte. 
Hier ist sein neues Soloalbum, auf dem er die anvisierte und ihm bekannte Zielgruppe bestens bedient: melodischer Rock, bisweilen mit Breaks und schönen Instrumentalparts wunderbar erweitert, dürften Freunde oben genannter Bands hier wenig auszusetzen haben. Ein gutes Album auch ohne absolute Highlights.

Für KW 24: Bruce Soord - Bruce Soord (Kscope)

Er hat seine Prog-Leidenschaft ausgetobt mit Vulgar Unicorn, bevor er mit The Pineapple Thief deutlich eingängigere Wege einschlug. Noch lange bevor er mit denen richtig durchstartete und nach dem Einstieg von Drummer Gavin Harrison die Songs auch immer genialer wurden, brauchte er trotzdem auch noch ein zweites Standbein. Das fand er offensichtlich in seinen Soloalben, auf denen er seine Fähigkeit, wunderschöne Songs zu komponieren, beweisen konnte. Die kommen ohne die  Arrangement-Hilfen Harrisons aus und sind relativ ruhig. Aber einfach immer wieder auch unendlich schön! Sein selbstbetiteltes Solodebüt erschien original vor 10 Jahren, offensichtlich war er der Meinung, dass es nicht die Aufmerksamkeit bekam, die es verdient gehabt hätte, trotz der beeindruckenden Rezensionen, die es seinerzeit erhielt. Also wird es als remasterte Version erneut angeboten. Unbedingte Hörempfehlung! Und während mein (Blizzard-)Favorit „Willow Tree” ist, gibt es für Bruce Soord selbst einen anderen Song, der ihn zurückversetzt in die Zeit, in der er sich entschieden hat, professioneller Musiker zu werden – noch ohne die finanziellen Benefits, auf die er )hoffentlich) mittlerweile blicken kann. Das knapp 2minütige “Field Day Part 2 probably says everything I ever wanted to say. [It] will forever have a special place in my heart.”

Für KW 23: Joviac - Shards (bandcamp)

Spannender Prog Metal aus Finnland! Wobei Metal schon eigentlich zu extrem ausgedrückt ist. Sie haben hin und wieder auch eine härtere  Gitarre am Start, geben sich aber ansonsten irgendwo zwischen Enchant und melodischen Dream Theater die Hand.  Zwei Namen, die mir beim Hören des Albums immer wieder mal in den Sinn kommen, sowohl musikalisch als auch gesanglich (Ted Leonard). Womit zwei hochklassige Eckpfeiler ihre Sounds benannt wären, die sie keineswegs kopieren, sondern die ich hier nur reinbringen möchte. 
Ihre technischen, Qualitäten beweisen Sie gleich mit dem instrumentalen Opener, und im weiteren Verlauf verlegen Sie Ihren Schwerpunkt ganz gerne in verschiedene Richtungen. Mal elektronischer, mal härter, mal softer, aber immer mit guten Song-Ideen, toller musikalischer Umsetzung und viel Abwechslung. In der fast experimentellen Vielfalt ihres Albums vermutet man fast ein Debüt einer Band, die sich ungern in eine einzelne Schublade pressen lassen möchte, und von der man mit so einem Album im Hintergrund als Startpunkt noch einiges erwarten darf. Aber es ist bereits ihr drittes Album seit 2017 und macht defintiv Lust, weiter in ihr Oevre reinzuhören! Vor allem, wenn sie dann auch nocht mit dem elfminütigen Longtrack zum Abschluss (plus passendem zweiminütigen Acapella-Intro) beweisen, dass sie durchaus wissen, was der anspruchsvolle ProgRock-Fan gerne hat :-) Klasse!

Für KW 22: Ghost Of The Machine - Empires Must Fall (bandcamp)

Ist Neoprog eigentlich noch Neo(prog), wenn es ihn schon seit Jahrzehnten gibt? Beschreibt der Name das Genre und damit einen Stil gut genug, um ihn auch heute immer noch benutzen zu können? Ich denke schon. Wobei bei längerem Hören des zweiten Albums der Briten diese Frage immer mehr in den Hintergrund rückt und die musikalischen Fähigkeiten und Ähnlichkeiten zu Bands wie u.a. Arena, die ja nun nicht mehr wirklich zum Neoprog gehören, immer deutlicher werden. 
Hauptanlass für die spontane Assoziation war eigentlich vor allem der Gesang, der an manchen Vertreter dieser Spielart aus den Achtzigern und Neunzigern erinnert. Aber je länger man den Songs und der Stimme zuhört, desto mehr kann man sich dran gewöhnen und sich an den Feinheiten der Songs begeistern. Und dann gibt es davon einige! 
Im Vergleich zum neuen Album war die Genre-Einordnung Neoprog beim ersten Ghost Of The Machine-Album  "Scissorgames" noch sehr viel eindeutiger. Deswegen ist das zweite Album schon eine deutliche musikalische Steigerung! Insofern kann ich dieses Album Freunden des Melodic Rock, verspielten Instrumentalparts und intelligenten Songwritings nur empfehlen.

Für KW 21: Cardinal Black - Midnight at The Valencia (Thirty Tigers)

Hat halt ein bisschen länger gedauert. 2010 gegründet, von Steve Winwood entdeckt, von Guns´n´Roses-Manager Alan Niven umworben, legten sie erstmal wieder eine Pause ein, bevor sie sich v.a. live, u.a. mit wie Peter Frampton, Joe Bonnamassa und Myles Kennedy einen Namen machten. Jetzt präsentieren sie endlich ihr erstes Album, von Cyrill Camenzind in Zürich produziert und mit analogen Vintage-Geräte aufgenommen, sitzt hier jeder Ton richtig. Vom gefühlvollen Opener über kräftige Rocker und sanfte Balladen bis zur Abschlusshymne gibt es hier nicht einen einzigen schwachen Song auf dem Album. Rock, der bisweilen an Hootie & The Blowfish erinnert, um jetzt mal einen musikalischen Anhaltspunkt zu geben. Die Hothouse Flowers wären ein weiterer, gerade auch, was die eingestreuten Soul und Gospelelemente angeht. Ein Album, dem man z.B. durch Radio Airplay Aufmerksamkeit gönnt. Hört rein!

Für KW 20: Skunk Anansie - The Painful Truth (FLG/The Orchard/Membran)

Was für ein Erlebnis: Von NDR2 für ihre Reihe stars@ndr2 - Songs & Stories eingeladen, war es auch für die Band zum 30. Bandjubiläum (!) eine Premiere, so ausführlich auf der (kleinen) Bühne (vor gerade mal 300 Leuten) über ihre Songs zu sprechen.  Und während ich zuvor noch befürchtete, hauptsächlich die neuen Songs vorgestellt zu bekommen, von denen ich lediglich die ersten Singles kannte, war es genau anders herum. Mit „Lost and Found“ stellten sie gerade mal eine einzige der neuen Singles vor und spielten sich ansonsten durch ihr Hit-Repertoire, bzw. da v.a. die Songs, von denen sie dachten, dass sie am besten in Trio- und Akustikformat funktionierten. Womit sie mit Songs wie u.a. „Charity“, "Weak", "Hedonism" oder „Brazen“ genau die Songs auftischten, die Sängerin Skin mit problematischen Beziehungen verbindet, was sie immer wieder mit viel Witz und Verve ausführlich berichtete. Daneben warf sie sich die „Moderations“-Bälle mit Gitarrist Ace zu, am Keyboard zudem von Drummer Marks Ehefrau begleitet. Spannend! 
Zum neuen Album berichteten sie v.a., dass sie neue Wege eingehen wollten. Produzent David Sitek (TV On The Radio) ermöglichte ihnen genau das, indem er ihre Spontaneität anstelle von Perfektion einfing. Das klappt mal besser, mal weniger gut. Anders ausgedrückt: Mit „Shame”, “Lost And Found”, “Cheers” oder “My Greatest Moment“ gibt es ein paar gute Songs, aber ein großes Highlight ist nicht wirklich dabei. Und insgesamt ist das Album wohl das poppigste ihrer Karriere. Welche Rolle Sitek jetzt genau dabei hatte, kann nur gemutmaßt werden.

Für KW 19: Black Map - Hex (Spinefarm)

2011 erschien das letzte Album von Dredg. Als ungeheuer spannend innovativer Act zwischen Alternative und Progressive Rock Anfang der 1990er gestartet, waren sie über die Jahre und Alben im Pop gelandet – und damit in der Belanglosigkeit? Gitarrist Mark Engles startete jedenfalls 2014 sein neues Bandprojekt Black Map, deren Debüt „In Droves“ schließlich 2017 erschien. Und wo er an der Seite von Ben Flanagan (v, b) und Chris Robyn (d) in kompakter Form zurück im spannungsreichen Rock gelandet war. Zwar ohne Prog-Anteile, dafür aber mit einem sehr vielseitigen Sänger, tollen Hooklines und v.a. guten Songs. Das setzte bereits „Melodoria” 2022 fort, jetzt erscheint mit „Hex” Album Nr. 3. Nicht ganz so stadionhymnenveredelt wie sein Vorgänger aber mit der bewährten Mischung aus guten Hooklines und Crunch, kraftvollen Powersong und melodischer Single-Hymne, zwischen Dredg und Soundgarden. Wobei der relativ sanfte Gesang immer ein ausgleichendes Element bleibt, was die Band sehr zugänglich macht. Cool!

Für KW 18: The Flower Kings - Love (InsideOutMusic / Sony Music)

Es gab Zeiten, in denen mich Roine Stolt und seine Flower Kings umgehauen haben ob ihrer Kreativität und ihren begnadeten Songs. deswegen freue ich mich auch immer noch riesig über ein neues Album der Schweden, wenn auch ihre letzten Werke mich nie so richtig überzeugen konnten. Das neue Album startet so erfreulich mitreißend, mit einer guten Melodie, mitreißendem Drive und einer wirklich positiven Stimmung. Leider bleibt dieser Song damit eine Ausnahme. Das gesamte folgende Album ist im Slow-Tempobereich, sprich mit Metronom im Sekundenzeigergeschwindigkeit. Das macht die Songs für sich nicht unbedingt schlechter, bietet auch die optimale Spielwiese, um sich instrumental austoben zu können, und natürlich leben Sie sich aus, sie sind alle Meister ihres Faches und kreativ sind sie obendrein, mit Jazz-Momenten, perlenden Pianoläufen und viel Abwechslung – aber ganz ehrlich: Spektakulär geht anders. Und deswegen ist das langsame Tempo auf Dauer etwas eintönig, um nicht zu sagen ermüdend. Es gibt weitere Highlights, wie “Burning Both Edges” oder das epische 10-Minuten-Finale “Considerations”, aber so richtig befriedigend, geschweige denn begeisternd ist das nicht.

 Water (InsideOutMusic / Sony Music)

Wer Neal Morse schon einmal in Persona erlebt hat, wird bestätigen können, dass man schnell von seinem Charisma erfasst wird. Im Interview, auf der Bühne, sogar am Telefon kann man ihn als extrem sympathischen Gesprächspartner erleben. 
Das scheint nicht nur der Presse so zu gehen, sondern auch anderen Musikern. Egal wen er fragt, sie scheinen alle sofort zu an einer Zusammenarbeit interessiert. Was natürlich auch an seinen überzeugenden Songwriting-Qualitäten liegt. In diesem Fall gibt es einmal wieder eine neue Konstellation rund um Neal Morse, und die ist mit Chester Thompson, Gitarrist und Sänger Phil Keaggy sowie Bassist Byron House prominent besetzt. Die Songs tragen die deutliche Handschrift Morse, aber für die Umsetzung besteht er selbst darauf, dass sich dieses Mal wieder alles ganz anders anfühlt. Und in der Tat können das einige jazzige Momente durchaus bestätigen, wer es jetzt nicht so eng sieht, wird sich wiederholt an frühere Songs und Arbeiten erinnert fühlen sei es solo, mit Flying Color oder auch Transatlantic. Was allesamt perfekte Referenzen sind, weswegen ich an dieser Stelle auch gar nicht viel über die Musik erzählen muss – für alle Prog- und Neal Morse-Fans uneingeschränkt empfehlenswert! Umso mehr, weil neue Mitstreiter am Start sind.

Für KW 16: Temple Fang – Lifted From The Wind (Stickman Records)

Hörte ich da jemand flüstern, die Zeit der finnischen Wheel wäre schon wieder abgelaufen? Nicht nur ihr Newcomer Bonus war nach den EPS und dem begeistern 2019er Debütalbum „Moving Backwards“ abgelaufen, auch ihr Einfallsreichtum war spätestens mit dem 24er „Charismatic Leaders“ zum Erliegen gekommen. Nun, spätestens jetzt bringt sich ein Nachfolger in Stellung. Auch Temple Fang kommen aus Amsterdam (s.u., Marathon), sie sind passenderweise beim Stickman Records Label untergekommen und bereits ihr Debüt ließ aufhorchen. „Lifted from the Wind“ dürfte da noch weiteren Wirbel erzeugen. Bereits der Opener „The River“ (18min) nimmt den geneigten Hörer gefangen und während ich bereits auf dem nächsten Track entgegenfiebere, baut sich ein Monstersong auf, der alles andere in den Schatten stellt. „Once“ hätte auch „Once in a Lifetime“ heißen können, denn genau so ein Song ist das, ein Epic, für das man Jahre gebastelt hat, bis alles stimmt und der dieses Album wirklich mega veredelt. Ein Song, den man als Fan der oben beschriebenen Musik definitiv gehört haben sollte, der schon nach 5 Minuten ein Highlight ist, der aber auch nach 21 Minuten keine Minute zu lang ist. Und damit noch nicht genug, zwei weitere Songs knacken die 10-Minuten Marke (12 & 15) und bringen die CD an den Rand ihrer Kapazität. Der Gesang erinnert angenehm an den wunderbaren Editor-Sänger, Tom Smith, und Takt und Tempowechsel, v.a. im abschließenden 15-Minüter "Josphine" bringen eine zusätzliche Schippe Anspruch mit hinein. Braucht es weitere Argumente? Also: entweder reisen sich Wheel noch mal wieder zusammen oder ihr Platz mit anderweitig vergeben.

Für KW 15: Marathon - Fading Image

Die Holländer rüsten auf: Die Amsterdamer konnten bereits beim letzten Reeperbahn Festival überzeugen, seitdem veröffentlichen sie Singles und kommen jetzt endlich mit ihrem Debütalbum. Und sie steigen gleich mit voller Energie ein und im Folgenden entwickelt sich dieses Album zu einer echten Perle. Wave, Indie Rock, Punk, jede Menge Achtziger-Flair und viele gute Songs zwischen U2 und The Alarm. Schon die ersten beiden Singles machten klar, dass sie trotz aller Rauheit, immer auch eine schöne Melodik mit reinbringen, und das zeichnet ihre Songs und dieses Album letztlich aus.

Für KW 14: IQ – Dominion   (GEP)

Sechs Jahre seit „Resistance“, für die Briten eine fast noirmale Wartezeit auf ein neues Album. Eine große Weiterentwicklung muss man  trotzdem nicht erwarten – und den meisten Fans ist das gerade recht. Deswegen ist wichtiger, zu schauen, ob die neuen Songs überzeugen können. Fünf  sind drauf, mit Spielzeiten von 3 bis 22 Minuten („The Unknown Door”), wobei gerade die beiden Longtracks („Far From Here“ bringt es auf 12.44) nicht auf voller Länge überzeugen können. Hooklines waren früher ihre große Stärke – neben den fantastischen Sounds & Soli, die es auch auf dem neuen Album wieder in aller Grandezza gibt. Alles andere ist auf dem ansonsten eher durchschnittlichen und nicht durchweg befriedigenden Album lohnt, genauer hinzuhören.

Für KW 13: David Judson Clemmons – Everything A War (7 People Records)

In regelmäßiger Unregelmäßigkeit veröffentlicht David Judson Clemmons ein neues Album. Früher v.a. in seinen Bandprjekten Damn The Machine, The Fullbliss und Jud, seit 2004 vermehrt unter eigenem Namen. Und genau darauf scheint sich Clemmons jetzt eher zu konzentrieren. Musikalisch hatte sich das ohnehin immer weiter angenähert: Melodischer Rock, irgendwo zwischen Pink Floyd und 12 Drummers Drumming, ein wenig Amplifier-Psychedelic und Songwriter-Style à la Roger Waters und weitere spannende Zutaten machen seine Alben immer wieder aufs Neue hörenswert.  Auch das neue Album hat wieder ein paar echte Songkracher auf Lager, das beginnt bereits mit dem mitreißenden Opener, „Learn to resist“ und erreicht den Höhepunkt in „Songs In The Key of You“. Klasse!

Für KW 12: Steven Wilson - The Overview (Virgin Records )

Im Wissen um seine betriebswirtschaftlichen Fähigkeiten und Kenntnisse können wir davon ausgehen, dass dieses Album nicht zufällig entstanden ist. Und so, wie es ausgefallen ist, würde ich mal sagen, dass es ihm in erster Linie um die Wiederherstellung seines guten Rufes ging, weniger um ein musikalisches Statement. Denn dass er sich verrannt hatte, vor allem mit dem letzten Album, dürfte wohl unbestritten sein. 
Gestehen wir ihm doch außerdem zu, ein Album zu machen, auf das er einfach Lust hatte. Nicht jedes Album muss zwangsläufig ein neuer Meilenstein sein, geschweige denn ein neues Meisterwerk. Also nehmen wir das neue Album als willkommenen Grund für eine neue Tournee und vielleicht gerade im Hinblick darauf auch einfach als Standortbestimmung. Dann könnte man hoffnungsvoll annehmen, dass er sich auf seine früheren, wenn nicht sogar Anfangstage zurückbesinnt, Zeiten seines Solo Debüts „Insurgentes“ oder seine (zumeist solo betriebene) Porcupine Tree-Anfangszeit, die ja noch sehr Pink Floyd- und Psychedelic-lastig war. Denn das sind schon mal zwei Grundpfeiler dieser neuen Platte, zu der auch das Thema des Albums passt, nämlich der (Über-)Blick des Astronauten auf die Erde. 
Sportlich gesprochen wird er mit diesem Album am Ende des Jahres nicht um die Meisterschaft spielen, künstlerisch präsentiert er aber einige tolle Finessen. Manche Sounds und Passagen erinnern an „Hand.Cannot.Erase“ oder auch an andere Phasen seiner Karriere. Soll heißen: wirklich Neues präsentiert er hier nicht, aber eine spannende musikalische Reise mit 2,3 Songs, die durchaus auch (Prog Rock –)Radio tauglich zu nennen wären. 2,3 Songs, neben zugegebenermaßen einigem Füllmaterial (große Teile des Albums klingen und sind ungefähr so spannend wie eine spontane Jam Session, bei der man dieses Ergebnis Steven Wilson in ähnlicher Qualität zutrauen würde). 
Und diese 2,3 Songs sind, abgesehen von der netten Idee, die beiden Long Tracks auch noch mal als unterteilte elf Tracks mit auf die CD zu packen, die einzige Reminiszenz an die relativ kommerzielle Idee der letzten 2 Alben, womit wir wieder beim Anfang dieses Textes sind. Ergo: Es wird sich doch wohl niemand über den neuerlichen Richtungswechsel beschweren wollen, oder?

Für KW 11: Curtis Stigers - Songs From My Kitchen, Volume 1 (Pandemic Poodle Records/ Membran)

„Some things you don’t forget“ (aus: "Golden Thread"): fünf Jahre ist es jetzt her, seit dieser unglaubliche Virus über uns und vor allem auch über die Musikbranche hergefallen ist, und so viele Dinge verändert hat. Und vieles von dem ist schon wieder so lange her, dass man es fast schon wieder vergessen hat. Einer, der wirklich durch die Pandemie geholfen hat, mit seinen wöchentlichen Küchenkonzerten, die er online gestreamt hat, ist Curtis Stigers. Meist mit Hund, manchmal mit Gästen, und oft mit kleinen Einspielern hat er immer wieder ein neues Programm auf die Beine gestellt. Insgesamt waren es mehr als 50 dieser Abende und ich kann sagen, dass ich immer wieder gerne reingeschaut habe. 
Einen Auszug aus diesen Programmen präsentiert er jetzt hier – mit dem Zusatz „Volume 1“ deutet er an, dass es durchaus eine Fortsetzung geben kann – aber nicht muss. („Diese Tür lasse ich mir mal offen“). Die Songs gehören dabei zum ruhigsten, intimsten, was der Kalifornier je veröffentlicht hat. Und er schafft es, damit ein bisschen von der Atmosphäre wieder in Erinnerung zu rufen, die seine Konzerte und die diese Zeit ausmachten. Was ein bisschen beklemmend ist, aber letztlich vor allem wunderschön. Wir haben diese Zeit überlebt, überstanden und sie ist Teil unseres Lebens. Danke für tolle Küchenkonzerte, danke für dieses Rückblick darauf!

Für KW 10: Everon - Shells (Music Theories Recordings / Mascot Records)

Das ist wohl die größte Überraschung des Jahres bisher: nach 16 Jahren kommt Oliver Philipps mit einem Album, mit dem wohl eigentlich keiner mehr gerechnet hat. Spätestens seit dem Tod seines Partners in Crime“, dem Schlagzeuger Christian 'Moschus' Moos,  hatten die allermeisten diese Band wohl ad acta gelegt. Aber Philips belehrt alle Zweifler eines Besseren: Er macht genau da weiter, wo er aufgehört hat. Da er ohnehin schon immer für die Komposition zuständig war, scheint es ihm auch nicht besonders schwer gefallen zu sein, nach dieser Pause wieder einzusteigen. Ein absoluter Trademark-Sound, einzigartig und unerreicht, nicht zuletzt durch den Sound der fantastischen Gitarrensoli. In der Tat kann ich mich nicht erinnern, außer auf dem 2017 Album von Cast jemals den Versuch gehört zu haben, diesen Sound zu kopieren. Also Oliver, bitte überrasche uns auch weiterhin immer mal mit einem neuen Album! 
Es gab eine Zeit, da zählte dieser Sound zum Gipfel der Genüsse für mich. Und ehrlich gesagt: Mit fantastischen Sounds, Melodien und Gitarrensoli schafft es Philips, mich genau dahin zurück zu beamen und für einige wohlige Schauer auf dem Rücken zu sorgen. Zusätzlich sorgt er mit Duettsängerin Helena Iren Michaelsen (u.a. Trail of Tears und Imperia, nebenbei übrigens auch seine Ehefrau :-) ) für eine sehr nette Neuerung. Und wer meint, die Texte seien bisweilen zu pathetisch, dem wird mit #5 "Monster" komplett der Wind aus den Segeln genommen. Was für ein Song, was für ein Text. Fast zu authentisch, um nicht autobiografisch zu sein.

Für KW 9: Anxious - Bambi (Run For Cover Records)

Indie-Rock der besseren Art! Es gab eine Zeit, da nannte man das Emo-Rock, aber der Begriff ist aus der Mode gekommen. Die Musik aber offensichtlich nicht! Indie Rock an der Schwelle zum Punk, allerdings ohne deren Simplizität, sondern mit viel Melodie, Energie und Dramatik. Bereits das Debütalbum der Jungs aus New Jersey "Little Green House" wurde von Fans und Kritikern gefeiert. Anschließend veröffentlichte die Band drei Singles „Where You Been“, „Sunsign“ und „Down, Down“, mit denen sie ihren Sound konsequent weiterentwickelten. Nun knüpft "Bambi" genau dort an und setzt auf große Gesten – mit den richtigen Songs! Den Rest kann ich ungekürzt aus dem Info übernehmen: "Inhaltlich zeichnet das Album ein schonungsloses Bild des Übergangs ins Erwachsenenleben: Trennungen, Erschöpfung, die unvermeidlichen Herausforderungen des Erwachsenwerdens – alles verstärkt durch die Fallstricke, die mit dem schnellen Aufstieg einer Band und dem ständigen Touren einhergehen. Das Ergebnis ist ein gewaltiger Entwicklungsschritt und ein Album voller mitreißender Hymnen." Damn good! 

Für KW 8:  Marillion - An Hour Before It's Dark Live In Port Zelande 2023 (earMUSIC / Edel)

Was die Briten mit ihren Fan-Conventions geschaffen haben, ist schon einzigartig. Und wer als Fan etwas auf sich hält, der sollte sich bei einem dieser Treffen schon mal eingefunden haben – zumal es neben (meistens) Holland auch in Deutschland schon Marillion-Wochenenden gab. Seit 2002 machen die Fünf das alle zwei Jahre mindesten einmal und begeistern immer wieder aufs Neue ein ganzes Wochenende lang mit ganz besonderen Programmen. 
Der Samstag ist „Albumnacht“, d.h. in der Regel das aktuelle Album, das 2023 natürlich ihr tolles „An Hour Before It's Dark“ war, wird in ganzer Länge aufgeführt. Als Zugabe gibt es ausgewählte Meisterwerke, begleitet in diesem Fall von einem Streichquartett! Und die vier Damen geben den Songs einen besonderen Schliff, in der DVD-Version ist übrigens mit „The Space“ noch mit einem Song mehr als auf der 2CD-Version. Wer also dabei war, dieses Mal leider nicht dabei war oder aber endlich mal ein Gefühl für das besondere Setting dieser Conventions bekommen möchte, dem sei diese Kostprobe empfohlen. Toller Sound, tolle Bilder, tolle Songs, eine grandiose Stimmung – typisch Holland!

Für KW 7: Dream Theater - Parasomnia (InsideOutMusic)

Genie und Wahnsinn: vom einen weniger vom anderen mehr. Die Götter des ProgMetal sind wieder vereint mit ihrem Drummer Mike Portnoy. Und es scheint, als kehrten sie damit auch zurück an ihrer Anfangstage: Weniger Melodie, mehr Metal. Leider bleiben die genialen Einfälle ihrer Vergangenheit weitgehend zurück, und das betrifft vor allem die Hooklines, die sie ansonsten immer wieder in begeisternder Weise eingebaut haben. Die ihre Songs so einzigartig machten. So eingängig trotz aller Komplexität. Auch 2025 können Sie mit ihrer technischen Brillanz punkten, die Songqualität bleibt aber irgendwie ein wenig auf der Strecke. Viel Härte, viel Technik, wenig Melodie. Zwar blitzen zwischendurch immer wieder melodische Gitarrensoli auf, aber sie sind mehr eine schöne Ergänzung, als eine logische Erweiterung der Songs. Auch die erste Ballade des Albums, „Are We Dreaming“ bleibt (für Dream Theater Verhältnisse) weitgehend belanglos (und ist als potentielle Hitsingle zumindest in dieser Version auch viel zu sehr auf Rock produziert), hätte vielleicht durch eines dieser Gitarrensoli gerettet werden können, wird aber mit einem megalangen Fade-Out abserviert. Auch das ist einfallslos.  Kein Song, den man in Gänze wirklich als genial bezeichnen könnte, stets bemüht, aber letztlich ein wenig erfolglos. Zum Abschluss servieren Sie uns schließlich einen 20 Minuten Longtrack, auf dem sie die ganze Spielwiese ihrer technischen Möglichkeiten ausbreiten und auch hier mit tollen Momenten glänzen, aber als Ganzes will sich auch bei diesem Song keine wirkliche Befriedigung einstellen.

Für KW 6: Last Train - III (PIAS)

Mit ihrem zweiten Album “The Big Picture” hatte ich in den Franzosen schon einen vielversprechenden Newcomer gesehen, nachdem sie im eigenen Land schon fleißig abräumten mit ihrem Rock zwischen Giant Rooks Vitalität,  Lenny Kravitz Groove und Deep Purple Classic Rock Power. Umso mehr, als sie auch genügend Coolness besaßen, sich Zeit zu lassen für ein das abschließende Titelstück in bester Led Zeppelin-Manier einfach mal 10 Minuten Zeit zu lassen, um durch alle Spielarten des Rock zu treiben. Nun, gut 4 Jahre später gehören sie noch zu den Insidertipps: Französische Bands haben es nicht leicht bei uns. Mal sehen, ob sie einfach nur dranbleiben und Konstanz beweisen müssen.  Auch ihr neues, drittes Album hat einige spannende Momente! Sie sind ein bisschen rauer, ein bisschen wilder, aber oft auch sehr ähnlich wie die frühen Kings of Leon. Coole Stimmungen, sehr coole Songs, ein sehr feines Album! Zwischendurch haben sich leider ein paar zähere, unspektakuläre Songs eingeschlichen, aber insgesamt macht es schon Spaß, den Vieren zuzuhören!

Für KW 5: HEISSKALT - Vom Tun und Lassen (Munich Warehouse)

Da sind sie wieder. Nach sechs Jahren Funkstille. Wie es dazu kam? Mit dem Opener "Alle Zeit" sprechen sie sich selbst den Mut zu, diese Rückkehr anzugehen. Ein toller Song zwischen Poesie, Frustration, Hoffnung und Kraft. Die folgende, erste Single war der erste Vorbote des Albums und wie im Opener mit einer sehr eigenen Mischung aus Spoken Word und Rockhymne, aus Zurückhaltung und kraftvollem Rockinstrumentarium. Was OK Kid nur live auf der Bühne schaffen, setzen Heisskalt auch auf diesem Album um. Auch die folgenden Songs überzeugen mit guten Texten und mitreißendem Indie Rock. Die zweite Hälfte des Albums kann diesen Qualitätslöevel nicht ganz halten, in "Mit Worten und Granaten" wird`S mir persönlich sogar etwas zun heavy, aber insgesamt ein tolles Album, das kein Blatt vor den Mund nimmt, geschweige denn musikalisch sich irgendwelche Grenzen setzt. 
Mit der Tournee zum Album warten sie noch bis zum Herbst!

Für KW 4: David Gray - Dear Life (Cargo Records)

Der leise Jahresanfang. Seit Jahrzehnten sträflich unterbewerteter Songwriter aus Schottland mit seinem zehnten Album. Und ohne den unermüdlichen AirPlay-Einsatz von Radio Jade Ikone und Gründer Michael Diers wäre er wahrscheinlich auch noch unbekannter. Dabei gehört er nicht nur auf der Insel zu den Größen dieses Genres, wenn auch überwiegend mit leisen Tönen. Da gehört „Plus & Minus“ schon zu den schnelleren Songs – und ist ein Hörtipp nicht zuletzt durch den Duettgesang mit der Newcomerin Talia Rae. Und wer meinte, dass im Befindlichkeitspop der letzten 80 Jahre doch eigentlich schon alles gesagt ist, dem begegnet Gray mit einem Satz wie „My Eyes made rain“. Hätte auch schon früher jemand drauf kommen können. Entsprechend empfehle ich Freunden dieser Richtung, sich dieses Album anzuhören!

Für KW 3: Kyles Tolone - Youth

Muss Alternative Rock eigentlich aus den USA kommen, um authentisch zu sein? Natürlich nicht. Das haben auch diverse Bands aus unseren Regionen schon zahlreich bewiesen. Auch die Göttinger Kyles Tolone sind schon eine Weile unterwegs und beweisen mit ihrem neuen Album, vielleicht mehr als jemals zuvor, dass sie es genauso gut können. Dass sie Band wie 3 Doors Down oder Prime Circle in Nichts nachstehen. Denn während früheren Alben früher oder später die Luft ausgingen, überzeugt das neue Album auf ganzer Linie. Abwechslungsreichtum, Hocklines, toller Gesang, gute Soli, hier ist alles drin, was Rockfans brauchen. Und letztlich u.a. in Songs wie "Open Your Eyes" oder "Days of Haze" mit genügend Harry Styles Pop-Drive, um auch nicht Grunge-Fans mitzunehmen  Herzlichen Glückwunsch! Save The Date: Am Samstag, 1. März 25 live in Bremerhaven (Shiva). 

Für KW 2: Tremonti - The End Will Show Us How (Napalm Records)

Er kann die Füße nicht still halten - und er kann es offensichtlich ohne seine Bandmitglieder auch genauso gut. Bei Alter Bridge und Creed ist Mark Tremonti eigentlich nur für die Gitarren zuständig, dabei macht er auch als Sänger eine Figur, die seinen hauptamtlichen Frontmännern Scott Stapp oder Myales Kennedy in nichts nachsteht. In seiner Band agiert er also wieder an der Seite von Eric Friedman (Gitarre), Ryan Bennett (Schlagzeug) und Tanner Keegan (Bass). Und auch was die Abwechslungsreichtum seiner Songs angeht, bekommt der geneigte Fan hier alles geboten, was man vo seinen o.g. Bands gewohnt ist. Von daher muss man hier gar nicht weiter drumherhum reden: Auch sein 6. Soloalbum in 12 Jahren (und, die o.g. Bands mitgerechnet, sein 19. Album insgesamt) bekommt meine klare Hörempfehlung. Früher hätte ich von kaufen gesprochen, aber das scheint ja irgendwie aus der Mode gekommen... Live am Dienstag, 14.01. Hamburg, Grünspan, weiter geht’s in Berlin, München, Frankfurt und Köln. 

Für KW 1:  Everyone Says Hi - Lucky Stars (Chrysalis Records)

Fangen wir mal langsam an. Nachdem schon die letzten zwei Wochen des letzten Jahres ohne auf dieser Seite bemerkenswerte Höhepunkte verliefen, bleibt es auch jetzt noch relativ unspektakulär. Und mit dem vorliegenden Titel gibt es auch erst einmal nur eine EP mit fünf Titeln zum gleichnamigen Album, das am 31. Januar veröffentlicht wird. Aber darauf können wir uns schon freuen! Everyone Says Hi ist die neue Band des Kaiser Chiefs' Songwriters, Nick Hodgson. Hodgson ist Songwriter, Leadsänger, Gitarrist und Frontmann der Band, seine Mitstreiter Pete Denton am Bass, Glenn Moule am Schlagzeug und Keyboarder Ben Gordon kommen aus Bands wie The Kooks, The Howling Bells bzw. Liverpools The Dead 60s, dazu unterstützt ihn der Gitarrist Tom Dawson aus seiner Heimatstadt Leeds. Und nachdem Hodgson bereits mehrfach mit Platin ausgezeichnet wurde für Songs mit den Kaiser Chiefs sowie seinen Kollaborationen mit u.a. Dua Lipa, You Me At Six, Duran Duran und George Ezra gibt es auch bei Everyone Says Hi klasse Songs mit Hooklines und ordentlich Hitpotetial. Das war schon bei der bereits im letzten Juni erschienenen ersten Single „Brain Freeze“ so und setzt sich fort in den vier weiteren bis jetzt veröffentlichten Songs - auch wenn  „Brain Freeze“ mein Highlight bleibt. Mal sehen was Ende Januar noch folgt! Tears For Fears lassen grüßen!

Die CDs der Woche - 2024:

Für KW 50:  Thees Uhlmann - Sincerely, Thees Uhlmann. Das Beste von Tomte bis heute.

Ein sympathischer Typ mit teilweise tollen Songs und manchmal witzigen Texten. Bisweilen schießt er ein weng übers Ziel hinaus, v.a. wenn man seine Studioalben hört. Aber dafür gibt es ja Best-of-Kopplungen wie diese. Und weil der Kerl aus Hemmoor schon vor seiner Solokarriere eine erfolgreiche Karriere als Frontmann von Tomte gestartet hatte und es von denen auch noch kein Best-of gab, legen GHvC beide Karrieren einfach mal zusammen. Dafür ist es dann auch ein Doppelalbum geworden, mit dem der geneigte Fan und/oder Besucher seiner Konzerte der letzten Jahre so ziemlich alles abgedeckt bekommt, was man von Thees Uhlmann kennen und haben sollte. Von „Danke für die Angst“ über „Zum Laichen und Sterben ziehen die Lachse den Fluss hinauf“ bis „Fünf Jahre nicht gesungen“ - und sogar noch darüber hinaus: Mit „Egal, was ich tun werde, ich habe immer an dich gedacht“ gibt es seine neueste Aufnahme vom Soundtrack zu Charly Hübners Verfilmung seines Romans „Sophia, der Tod und ich“. Schön! 

Für KW 49: Madsen - Die Weihnachtsplatte (Goodbye Logik Records)

Na, seid ihr schon in Weihnachtsstimmung? Oder schon völlig genervt von jedes Jahr denselben alten Dauerbrennern? Braucht es eine gewisse Romantik, um da mitzumischen? Oder einfach nur die richtigen Wegbegleiter. Auch musikalisch. Madsen haben sich entscheiden, ihren Teil dazu beizutragen – und sie erledigen den Job gut! Mal romantisch, mal unprätentiös, manchmal auch richtig laut. Ein „Weihnachtslied..“ kann ja auch „..zum Tanzen“ gut sein. Damit und mit vielen anderen Texten trifft Frontmann Sebastian mal wieder wiederholt ins Schwarze und macht dieses Album mit seinem Mix aus Besinnlichkeit und sozialpolitischem Engagement zu einem sehr besonderen – und sehr guten – Weihnachtsalbum!

Für KW 48: Hathors - When The Sun is Out / When Skies Are Grey (Noise Appeal Records)

Bereits der ungewöhnliche Titel des Albums verrät eine gewisse Ambivalenz – und Kontraste können in der Musik zu den spannendsten Ergebnissen führen. Das fünfte Album des Schweizer Noise-Rock Trios verarbeitet eingängige Melodien und harte Gitarren zu einer sehr gelungenen Mischung. 
Der Gesang von Gitarrist Marc Bouffé erscheint zunächst etwas rau, verliert aber seine Sperrigkeit, wenn man sich dran gewöhnt hat. Zudem überwiegt im weiten Verlauf auch die Sympathie mit den Songs, die immer wieder mit dem Charme der Foo Fighters kräftigen Indie Rock mit markanten Hooklines verbinden und mit gelungener Abwechslung immer wieder für kleine Highlights sorgen. Zudem passen die harten Vocals zu den Texten über Toxische Positivität, Liebeskummer, Body Shaming, Depression, Selbstzweifel und Ängste. Der Waschzettel schlägt The Pixies, Madrugada und The Wipers als weitere Referenzen vor – kann man so stehen lassen. Anfang 2025 auf Tournee – neben Köln, Ulm und Frankfurt auch am Samstag, 8. Februar im Kuba in Bremerhaven. Save the Date!

Für KW 47: Klone - The Unseen (Pelagic Records)

Die Franzosen werden immer besser! Es ist bereits ihr 10. Album, und einmal mehr machen sie alles richtig. Klasse Songs, klasse Stimmung und Atmosphäre: Damit erinnern sie 2024 stark an Pineapple Thief. Dabei bemerkenswert: Die Länge der Songs, zwischen drei und knapp 6 Minuten, kurz und gut! Bestes Beispiel: Die Single ‘Magnetic’, zu der auch Sänger Yann Ligner sagt: "Seine Stärke liegt in seiner Einfachheit. Auf den Punkt gebracht ist es ein Hauch frischer Luft. Eine ehrliche, fröhliche Ode an die Liebe". Das Ganze mit viel Leidenschaft und im fetten Sound. Lediglich im Gesangsbereich muss man anmerken, so gut Ligners Stimme ist, so hat sie vereinzelt leichte Schwächen in Aussprache (typisch französisch wird das ´i´ gerne lang betont...) Die frühere gesangliche Härte, die sogar auf dem Vorjahres-Album „Meanwhile“ gelegentlich noch vorkam, ist 2024 komplett Geschichte, musikalisch gibt es noch ein paar Referenzen. Eine klasse Mischung aus Rock und Prog, Riff und Atmosphäre, Grunge und Anathema. In Ergänzung zu den klasse kompakten Songs #1-6 gibt es mit dem abschließenden "Spring" einen 12min Longtrack (inkl 2-min Intro und 5-min outro :-)) Bleibt in Summe ein sehr gutes, sehr kompaktes Album (mit atmosphärisch-ausschweifendem Ende). 

Für KW 46: Kite Parade - Disparity (White Knight Records) 

Er ist ganz schön fix: 2022 gab es das erste Soloalbum von Andy Foster unter dem Namen Kite Parade (CD der Woche KW 15/2022),mit "Disparity" ist er bereits bei Album No.3! Und obwohl er bereits mit dem Debüt überzeugen konnte, legt er hier definitiv noch einen drauf. Abgesehen davon, dass es sich hier um ein Konzeptalbum zu handeln scheint, zumindest musikalisch gehen viele der Songs ineinander über, hat er v.a. in Sachen Abwechslung einiges zu bieten. Neun Songs zwischen 1:36 und 7:32 mit verschiedenen Stimmungen und Maßen an Komplexität, oft mit viel Energie, viel Schwung, tollen Harmonien und Soli, da ist viel drin und vieles absolut richtig gemacht. Dazu kommen tolle Gastsängerinnen wie Christina Booth (Magenta) und Lynsey Ward sowie ein paar Gastmusiker. Sehr spannend und sehr gut. Für Freunde melodischen Rocks und Progs, mit Referenzen zu Pineapple Thief, Steven Wilson und John Mitchell/Lonely Robot. Solltet ihr reinhören!

Für KW 45: The Cure - Songs Of A Lost World (Universal)

Und noch ein Rückkehrer aus den 80ern - mit dem ersten Studioalbum seit 16 Jahren!
Ihre Single "Friday I’m in Love" war ihr Befreiungsschlag. Trotz früherer Pophits wie "Lovecats" oder "Why can`t I be you" haben sie erst dort bewiesen, dass sie gar nicht nur immer düster sein müssen, sondern auch im Grunde ihres Herzens fröhliche Menschen sind. Seitdem können sie sich im Prinzip alles erlauben. Da passt jede schwere Melancholie, alle langsamen Takte, jedes Radiokompatibilität verhöhnende Endlos-Instrumentalintro. Was man heraus hört, ist schlicht Schönheit! Nicht dass sie das nicht auch schon immer in ihren Songs hatten, erst seit dem man sie nicht zwangsläufig in die Gruftie-Ecke stecken muss, darf man diese Schönheit auch sehen, erkennen und ihnen zugestehen. Und so sind auch die neuen Songs wieder eine volle Ladung toller Songs zwischen Pop und Rock, zwischen Gruft und Himmelreich, Melancholie und mehr oder weniger versteckter Freude. Da muss man weder Cure-Fan noch selbstmordgefährdet sein, um dieses Album gut zu finden. Sie sind und bleiben ein Unikat auch 2024. 

Für KW 44: Tears For Fears - Songs For A Nervous Planet
(Concord Records / Universal)

Ich liebe diese Band! Ihr Meilenstein-Album war für mich „Seeds of Love“, ein fantastisches Konzert (in Bremen) inklusive. Dabei hatten sie schon mit ihren ersten Alben längst Musikgeschichte geschrieben, weil sie sich immer wieder neu erfinden konnten und sogar ihrer Zeit immer ein bisschen voraus waren. Und bis zum genannten Album konnten sie auch immer auf Albumlänge überzeugen, danach war das nicht immer der Fall. Curt Smith verließ die Band, bis 2004 veröffentlichte Roland Orzabal alleine, entweder unter eigenem Namen oder unter dem Bandnamen; hier gab es immer wieder auch einzelne Highlights, aber insgesamt konnten ihre Alben bis heute nie mehr voll überzeugen. Jetzt gibt es vier neue Songs, von denen immerhin die Hälfte überzeugen kann, die anderen zwei Songs nette Ergänzungen sind. V.a. gibt es aber ihr erstes Live-(Doppel-)Album! Nach 43 Jahren. Nach zwei Live-Konzerten auf VHS (1990) und DVD (2006). Und die lassen die Geschichte der Bands Revue passieren und verdeutlichen einmal mehr, wie gut sie waren,  die meisten wichtigen Songs sind dabei, v.a. auch von den weniger beachteten Alben. Den Konzertfilm dazu gibt es zunächst nur im Kino, mal sehen, ob er nachträglich auch noch veröffentlicht wird. Konzerte gibt es momentan nur in den USA – mit Ticketpreisen von $ 202$ - 999$... (trotzdem nur noch Restkarten erhältlich); vielleicht sollten wir uns also lieber an dieses Album halten! Ein Interview mit Roland Orzabal gibt es hier :-) 

Für KW 43: Ihlo – Union            Kscope: 11 October 2024

Ein neuer Stern! Auf Bandcamp haben sie es längst entdeckt. Entspannter ProgMetal, gibt es sowas?? Grandioser  Sänger, tolle Songs, wunderschöne Harmonien und eine sehr entspannte Abwechslung zwischen sehr ruhigen Momenten und kräftigen Rock-Parts, ohne dabei auf die extremen Wechsel-Überraschungen  mancher Kollegen setzen zu müssen – Effektivität geht auch anders! Die Songs stehen im Vordergrund, werden exzellent erweitert durch Soli und Breaks und machen richtig Spaß. Die perfekte Mischung aus Harmonie, Härte und Komplexität, irgendwo zwischen Enchant, TesseracT und Haken, wobei ich das letzte Haken Album zu heavy fand; aber das nur am Rande. Zum Abschluss gibt’s noch zwei Live Tracks, wobei vor allem „Hollow“ schon in der Studio Version begeistern kann, Live hat er noch ein bisschen mehr Power. Da das Album eigentloch schon lange veröffentlicht ist, wäre es interessant, zu sehen, inwieweit die Band in der Zwischenzeit geschafft hat, weite solcher Hochkaräter zu komponieren!

Für KW 42: Frost* - Life in the Wires (InsideOutMusic)

Jetzt gehört er also auch endlich zu den Großen. Mit einem Konzept-Doppelalbum! Was könnte man Größeres erreichen? Nein, Spaß beiseite. Jem Godfrey gehörte bereits mit dem ersten Album zu den Großen – mit seiner Vorgeschichte als (Pop-)Produzent und mit dem Songmaterial, das er auf „Milliontown“, „Experiments in Mass Appeal“ und „Falling Satellites“ ablieferte – und sogar darüber hinaus, wie er auf der 8-CD-Box „13 Winters“ bewies. 
Zwei Fragen kreiseln mir nach dem ersten Hören im Kopf: wo sind die Hooklines und wo ist John Mitchell? Und inwieweit haben diese beiden Fragen miteinander zu tun? Aber Entwarnung: sowohl die einen als auch der andere sind da. Nur besser eingebaut und erst bei genauerem Hinhören erkennbar – soll meinen: Nehmt euch Zeit und hört es ein paarmal öfter, es lohnt sich. Den Gesang übernahm Godfrey dieses Mal wieder alleine, nachdem er festgestellt hatte, dass er  den auf den letzten beiden Alben mehr und mehr an John Mitchell abgegeben hatte. Dabei war er doch eigentlich selbst der ursprüngliche Frost*-Sänger. Mitchell war unterdessen aber genauso beteiligt an den Songs wie auf den letzten Alben. Wie bei einem Konzeptalbum üblich, hängen die Songs zusammen, thematisch und auch soundtechnisch, das Grande Finale ist dann schließlich der knapp 16minütige zweite Teil des Titelstücks, hier dürfen sich die Instrumentalisten komplett austoben, bauen ein paar tolle Genesis-Momente mit ein, wahnsinnig gut! 
Also: Wenn man das Album erst mal hat sacken lassen und ein paarmal gehört hat, kann es nur eine Erkenntnis geben: Godfrey ist seinem Anspruch gerecht geworden und hat hier ein Mega-Album erschaffen. Ob es sein Magnus Opus ist, mag jeder für sich selbst entscheiden, denn dafür waren die bisherigen Album Alben einfach schon zu großartig, aber es steht definitiv auf einer Stufe mit seinen Großtaten. Herzlichen Glückwunsch!

Für KW 41: LizZard - Mesh (Pelagic Records/Cargo)

Ich gebe zu, ich hatte diese Band bislang noch nicht auf dem Schirm, dabei soll bereits ihr letztes Album „Eroded“ extrem gut gewesen sein. Schlimmer noch: „Mesh“ ist bereits das fünfte Album des französisch-englischen Trios. Was das Album so interessant macht, ist, dass hier kein bestimmtes Genre angesprochen wird, Katy Elwell (UK/Drums), Mat Ricou (FR/Guitar & Vocals) und Will Knox (UK/Bass) rocken munter zwischen 90s Post-Punk und Artrock. Die Promofirma sagt FFO (für Fans von) Tool, King Crimson, Karnivool, Sparta, Radiohead, Deftones, Faith No More, Helmet, wobei mir hier keine der Extreme untergekommen sind, die einige dieser Bands ausspielen. 
„Mesh“ ist eine spannende Mischung aus Alternative Rock (#1) und melodischem Indie Rock (# 2,3). Dazu noch ein paar technische Spielereien und melodische Breaks, da gibt es eine Menge zu entdecken!  Das wechselt zwischen U2 ähnlichen Rockstrukturen und kräftigen Rock-Hymnen, und erinnert in seiner Abwechslung am ehesten an The Intersphere, auch wenn hier keine klangliche Parallelen zu finden sind. Nur vereinzelt darf es auch mal etwas komplexer werden. So oder so, sie machen`s  richtig gut. Im Dezember sind sie damit auf Tournee (M, B, HH, K)

Für KW 40: Weather Systems - Ocean Without A Shore (Mascot)

Die Trennung von Anathema verlief geräuschlos. Zwar war Daniel (Danny) Cavanagh zum Ende der Tournee eine große Müdigkeit anzumerken, aber dass sich das auf die Band beziehen könnte, und nicht dem monotonen Touralltag zuzuschreiben war, war an dieser Stelle nicht erkennbar. (Das Interview findet ihr hier!) Nun also gehen die Brüder Cavanagh getrennte Wege. Vincent hatte im August unter dem Namen The Radicant eine erste EP „We Ascend“ veröffentlicht, die mit vier Songs relativ ruhig und experimentell und nur im Song „Zero Blue“ wirklich interessant ausgefallen ist und deswegen noch nicht wirklich Hinweise gibt auf seine weitere musikalische Zukunft. Danny deutet schon mit der Namenswahl seiner neuen Band eine Fortführung der alten an: „Weather Systems“ war der Titel ihres 2012er Albums. Und in der Tat besitzt dieses Album alles, was seine alte Band ausgemacht hat: ruhige Momente, Pianoläufe, sphärische Phasen, große Rocksteigerungen und fantastische Stimmungen, all das, was die Band in den letzten Jahren auf ihren Alben zur Perfektion hat reifen lassen.
Mit der portugiesische Sängerin Soraia hat er eine Duettpartnerin, die stark an die von Anathema bekannte Lee Douglas erinnert. Und während bereits der Opener dezent auf bekanntes Thema zurückgreift, gibt es mit „Untouchable Part III“ sogar noch eine offizielle Fortführung eines Bandklassikers. Er macht also keinen Hehl daraus, wo er diese Band sieht. Man könnte so weit gehen, zu sagen, dass man bei diesem Album unter dem Namen Anathema vielleicht eine fehlende Weiterentwicklung beanstandet hätte. Unter neuer Flagge fällt das unter Fanberuhigung. Die freuen sich, dass das musikalische Erbe der Band weitergetragen wird. Das gesagt gibt es zum Ende des Albums durchaus noch andere Töne: Mit dem Titelsong scheint Danny fast einen kleinen Seitenhieb auf das Projekt seines Bruders untergebracht zu haben, berührt es doch deutlich die gleichen (oben erwähnten) Gefilde. Und das abschließende „The Space Between Us“ ist zumindest zum Anfang ungewöhnlich fröhlich und Pop-orientiert, bevor es zum Ende noch einmal in bekannte Anathema-Rock-Richtung umschlägt. Was bleibt, ist ein tolles neues Album, mit dem es so gerne weitergehen darf, und einer Band, auf die man gespannt sein darf, ob sie, was sie in Zukunft für Überraschungen parat hat.  

Für KW 39:  Dilemma - The Purpose Paradox (Butler Records, V2 / Bertus)

Progressive Rock ist diese Musikrichtung, bei der sich die Musiker gerne nach Herzenslust austoben, Soli und Wechsel und Breaks einbauen, wo sie eigentlich gar nicht gebraucht werden, und damit aus einem wunderbar melodischen, harmonischen Popsong ein Stück Prog machen. Es gibt allerdings nicht nur Musiker, die das mögen, sondern auch den einen oder anderen Hörer, dem der durchschnittliche Rock-Sound schlichtweg zu langweilig ist, und er ganz gerne auch Ecken und Kanten in den Songs entdeckt. Manchmal ist es sogar notwendig, einen Song mehrere Male zu hören, um ihn vollständig zu begreifen. Bei den Niederländern Dilemma wird es mitunter ein bisschen komplexer, "The Purpose Paradox" ist ihr drittes Album. Ein Album, das gar nicht mal so richtig stark anfängt, dann aber v.a. im Mittelteil immer besser wird. Und in der Tat bauen sie immer wieder mal ein Solo ein, das dem Einen vielleicht zu viel abverlangt, dem Anderen dieses Album aber erst richtig schmackhaft macht. In dem Sinne: viel Spaß!

Für KW 38:  Anubis - The Unforgivable (Bird's Robe Records / MGM)

Das Besondere an diesem Album fällt einem eigentlich erst auf, wenn mit „One Last Thing“, dem 5. Song des Albums, der erste langsamere, ruhigere Song beginnt. Bis dahin schaffen es die Australier überraschenderweise, mit sehr viel Energie und erfrischendem Drive vorzugehen. Was bei einer Musikrichtung, die so eng mit Pink Floyd verwandt ist, durchaus ungewöhnlich ist. Umso schöner und umso effektvoller ist dieser Song an dieser Stelle – und trotzdem auch nur eine ruhige Zwischenstation, das folgende „All Because of You“ legt schon wieder eine Schippe drauf. Trotzden gibt es zweiten Teil des Albums auch die langsamere Seite wiederholt, aber das ist bei dieser Musikrichtung durchaus passend und auch okay. „The Unforgivable” ist zum 20. Bandjubiläum bereits das 3. Konzeptalbum und ihr siebtes Studioalbum insgesamt.  Und bislang habe ich noch keine Schwachstelle in ihrer Diskografie ausmachen können!

Für KW 37: David Gilmour - Luck and Strange (Sony Music)

Er ist Kopf, Sänger und Gitarrist von Pink Floyd, da packt man noch ein paar flächige Keyboards drunter und dann hat man noch alles komplett, oder? So einfach ist das gar nicht – und ich fürchte, das ist gar nicht David Gilmours musikalischer Anspruch hier ein Pink Floyd Ersatzalbum zu erschaffen. Sein Ansatz ist ein etwas anderer. Mehr Blues, mehr Song, mehr Erzählung. Dass das kombiniert mit seiner fantastischen Gitarrenarbeit immer wieder trotzdem auch nach Pink Floyd klingt, sollte eher als schöner Nebeneffekt betrachtet werden. Er schreibt gute Songs und hat mit dem Leadgesang und dem Harfenspiel von Romany Gilmour in „Between Two Points“ sowie einigen Gastbeiträgen für nette Abwechslung und Kontrastpunkte gesorgt. Und auf dem Titeltrack und ersten Highlight ist sogar eine Aufnahme des verstorbenen Rick Wright zu hören, die 2007 bei einer Jam Session in Davids Scheune entstand. Und das abschließende „Scattered“ ist mit seinem typischen Solo dann letztlich doch der Pink Floyd Moment des Albums. Das alles reicht nicht ganz, um in Euphorie zu verfallen, hat aber ein paar schöne Songs und strahlt eine wunderbare Ruhe aus, hat aber durchaus auch kraftvolle Momente. Und die Tatsache, dass er überhaupt mal wieder ein Album veröffentlicht, ist schon mindestens eine Erwähnung wert. Dass es zudem deutlich mehr Rockanteile hat als das seines Kollegen Mark Knopfler sorgt für beide Daumen hoch!

Für KW 36: Pure Reason Revolution - Coming Up To Consciousness (InsideOutMusic/ Sony Music) 

So sehr man sich an die Wandelbarkeit ihres Sounds gewöhnt hat, so sehr kann man doch feststellen, dass sie ihren ganz eigenen Sound gefunden haben und dem auch irgendwie immer treu geblieben sind. Der war mit ihrem sensationellen Debütalbum „The Dark Third“ 2005 noch so spannend, dass man diesem Duo eine Riesenzukunft voraussagte. Im Folgenden wurde mancher Fan aber durch die Verwandlungen ihres Sounds etwas verunsichert: Weg vom Prog, hin zum Pop schien das Motto, weniger Rock, weniger Soli, mehr Song, mehr Massenkompatibilität. Die Folge war die zwischenzeitliche Auflösung der Band 2009-2018. Mit ihrer Rückkehr und seit dem Album „Eupnea“ sind die Rockelemente zurückgekehrt, die Eingängigkeit ist geblieben. Die beschriebene prinzipielle Direktive gilt auch immer noch für ihr neues, ihr sechstes Studioalbum. Ohne große Pop-Experimente, mit toller Atmosphäre, tollen Songs, ein zur Perfektion gereifter Duettgesang von Jon Courtney und Chloë Alper, ein paar kleinere musikalische Spielereien, gerade genug, um nicht zu banal zu erscheinen, aber eingängig genug, um auch auf großen Bühnen zu funktionieren. Vielleicht liegt es an der Kollaboration mit Musikern wie Guy Pratt oder Bruce Soord, dass manches an Kritiker- und Fanlieblinge wie Pineapple Thief, Porcupine Tree oder Eloy erinnert. Nicht zuletzt durch die längeren Songs „Bend the Earth“ und „Lifeless Creature“ ein mega Album!

Für KW 35: Leprous - Melodies Of Atonement (InsideOutMusic  / Sony Music )

Irgendwann packen sie dich. Mich hatten die Norweger um den schon sehr speziellen Sänger Einar Solberg dieses Mal spätestens mit dem Song „Starlight”, einem Song, der sie ungewohnt nah an Pink Floyd bringt. Was letztlich etwas länger gedauert hat, als bei ihren letzten Alben. Was allerdings am Eindruck lag, den sie bei mir hinterlassen hatten… Ich war ja ehrlich gesagt schon etwas in Sorge, dass ich nach dem relativ unbefriedigenden Konzert in Bremen die Lust an der Band verloren hätte. Aber wenn man sich erst mal wieder warm gehört hat, dann ist auch das neue, ihr achtes Album wieder absolut gelungen. Waren Leprous eigentlich mal ne Metal Band? Das ist ein Element in ihrem Sound, das mittlerweile recht selten zum Tragen kommt, Growls gibt es nur ganz urz ein einem einziges Mal und auch wenn viele der Songs rockige Ausbrüche beinhalten, gibt es daneben auch sehr viele sehr ruhige Momente. Aber wenn man sich drauf einlassen möchte und mit der Stimme klarkommt, dann sind die einmal mehr absolut wunderbar.

Für KW 34: MEER - Wheels Within Wheels (Karisma Records)

Ich versuche gerne, meine Gedanken über ein Album in einem Wort zusammenzufassen, was nicht immer gelingt. Aber bevor ich jetzt abschweife, können wir es hier kurz machen: Spektakulär! Was die Norweger hier auf ihrem dritten Album fabrizieren, trifft diese Bezeichnung fast durchgehend. Ein ständiger, spielerischer Wechsel aus luftig leichten Popmelodien und dramatischer Klangfülle ist schwerlich anders zu benennen. Das beginnt mit dem Gesang, den sich Johanne und Knut Kippersund Nesdal teilen, abwechsenlnd einzeln, zusammen oder gemeinsam mit weiteren Bandmitgliedern im Chor, im kompletten Spektrum von ganz leise bis maximal kraftvoll geschrien. Super. Das geht weiter über die Instrumentierung von zart gezupften Gitarren über reißerische Gitarrensoli bis zum kompletten Sinfonieorchester gibt es hier ein ständiges Auf und Ab. Bis zu den Songs, die mal langsam und im 4 Minuten Format bleiben bis zu den ausufern den Epen bis zu knapp 10 Minuten. Ein bisschen wie Leprous ohne Metal-Elemente. Oder wie Moon Safari mit noch mehr Tiefgang. Schon ihr zweites Album „Playing House" vor drei Jahren brachte Medien und Fans gleichermaßen zu Jubelstürmen, das wird Ihnen mit ihrem neuen Album genauso gelingen. Eine Band, die auf vielen Bühnen zu Hause ist, bislang aber vor allem im Progressive Rock abgefeiert wird. Dabei ist ein weitaus größerer Hörerzirkel durchaus denkbar und den acht zu wünschen.

Für KW 33: Frank Turner - Undefeated (Xtra Mile Recordings)

Ein Album, das fast an mir vorbeigegangen ist, dass ich fast verpasst hätte. Was mit Turners neuer Unabhängigkeit zu tun hat – weg vom Majorlabel, weg von den bekannten Vertriebswegen, back to the roots. Wobei er seinem kleinen Label treu geblieben, also auch nicht wirklich bei Null anfängt. Und als ich begann, reinzuhören war mein erster Eindruck noch, dass das mit dem „vorbeigegangen“ gar nicht so schlimm gewesen wäre. Sein letztes Album gehört zwar zu den Highlight Alben 2022, das neue beginnt aber überraschend rau und ruppig. Immerhin hat er ja auch eine Punk Vergangenheit, das kehrt er auch auf diesen neuen Album wiederholt hervor. Beginnend aber mit Song 3, „Ceasefire“ (Waffenstillstand), einem Song, der dir schlichtweg die Socken auszieht, beginnt dieses Album immer interessanter zu werden. OK, Songs wie dieser eine Kandidat für die Liste der Highlights 24 gibt es nicht so sehr viele, streng genommen mit „Somewhere Inbetween“ nur einen, aber mit „Letters“, dem Titelsong und ein paar weiteren gibt es gute Songs – und wenn man sich erstmal an den ruppigeren Sound des Albums gewöhnt hat, beginnt es auch immer mehr Spaß zu machen.

Für KW 32: Blues Pills - Birthday (BMG Rights Management)

Sie galten mal als die heißeste Band des Retro Rock, mit Betonung auf Retro Rock. Und „heiß“ bezog sich nicht zuletzt auf Sängerin Elin Larsson, bei der ich im Konzert erstmalig ein schlechtes Gewissen hatte, so ein unmittelbar nah vor ihr im Fotograben zu stehen, während sie in ultrakurzen Mini im Kopfhöhe eine Mega-Performance hinterlegte… aber zurück zum Thema. Bereits mit ihrem letzten Album „Holy Moly“ hatten sie nach dem Ausstieg ihres Gitarristen Dorian Sorriaux einen leicht veränderten Sound vorgelegt, waren deutlich geradliniger geworden, hatte aber noch genügend musikalische Feinheiten abgeliefert, um sie als Rockband zu bezeichnen. Ihr neues Album wird der Einordnung unter Retro Rock nicht mehr wirklich gerecht. Während Elin mit ihrer kraftvollen Stimme wiederholt an Adele erinnert, ist auch das, was ihre Mitstreiter so an Songs zeigen, auch nicht so sehr weit davon entfernt. Und wie es bereits im Opener heißt „I do what I want“, stellt Elin von Anfang an klar, dass sie sich nicht an die Erwartungshaltung ihrer Fans oder von irgendjemandem sonst  unterwerfen möchte. Und ohne die letzten Adele Alben als Ganzes gehört zu haben, haben zumindest die Blues Pills immer noch genügend Rock im Sound, dass sich kaum jemand genervt weg drehen dürfte. Und wenn Ihnen mit diesen Schritt in den Mainstream gelingt, so what? Klasse Abwechslung, klasse Songs, eine grandiose Sängerin, hört mal rein!

Für KW 31: Benjamin Croft - We Are Here to Help

Der Keyboarder, Produzent und Songwriter Benjamin Croft legt sein drittes Album vor, einmal mehr mit diversen prominenten Gästen besetzt. Und die dürfen erst einmal die Muskeln spielen lassen: Im siebenminütigen instrumentalen Opener dürfen erst mal die Instrumentallisten ihre Fähigkeiten zeigen, und die heißen neben Croft u.a. Marco Minnemann und Greg Howe, an anderer Stelle auch Simon Phillips, Stuart Hamm, Billy Sheehan oder Frank Gambale. Danach schlägt das Album einen mehr songorientierten Weg ein: Das Titelstück erinnert dann stark an Asia, stimmlich getragen vom klasse Sänger Jeff Scott Soto; ein toller Song! Von den acht Songs haben vier Gesang, entweder von Soto oder von der Sängerin Lynsey Ward, die ebenfalls einen tollen Job macht, mir persönlich aber nicht ganz so liegt wie Soto. Aber eine tolle Idee, so bleibt es abwechslungsreich und interessant, v.a. für Leute, die nicht so sehr auf reine Instrumentalalben stehen. Es bleibt beim Wechselspiel zwischen instrumentalen Ausflügen, die mal mehr, mal weniger einzigartig sind, und Stücken mit Gesang, wobei die Songs mit Soto etwas anspruchsvoller arrangiert sind. Ein spannender Wechsel aus Anspruch und Eingängigkeit, Rock und Prog. 

Für KW 30: Deep Purple =1 (EAR Music)

Wie schafft man als Altherrenriege, immer noch relevant und auch für jüngere Hörer noch interessant zu bleiben? Wie schaffen es Deep Purple, nach so vielen Jahren immer noch Alben zu produzieren, die sich zwar auf ihren typischen Trademark-Sound stützen, aber trotzdem zeitgemäß sind? Liegt es an den immer wieder neuen Gitarristen, die neues Blut, neue Ideen, neuen Drive mit reinbringen? Während ich diese Frage zunächst noch abwegig finde und es auch auf dem neuen Album wieder einige Songs gibt, die wirklich gelungen und richtig gut sind, ist es bei den meisten Songs dann doch in der Tat das Gitarrensolo, was am meisten heraussticht und die durch seinen neuen Sound dem oben angesprochenen Jungbrunnen am meisten ausmacht. Was Simon McBride als aktuellster Neuzugang zwischen Ian Gillan, Roger Glover, Ian Paice und Don Airey hier abliefert, macht so einen Spaß und klingt so gut, dass es selbst die unwichtigeren Songs aufgewertet. Und auch die gibt es. Trotzdem: mal wieder alles richtig gemacht, Wechsel gelungen, Album gelungen. 

Für KW 29: SYLVAN – Back to Live (GAOM/Soulfood)

Manchmal können Alben ja auch Trostpflaster sein. Wer am letzten Wochenende beim finalen Night of the Prog Festival (schnief!...) dabei war, wird sich von den Live-Qualitäten der Hamburger überzeugt (und sich wahrscheinlich sofort danach dieses Album zugelegt) haben. Für alle anderen kommt die Empfehlung auf diesem Weg. Was die fünf hier abfeiern, unterstreicht ihren Ausnahmestatus in der deutschen Szene. Nicht nur dass sie ein wunderbares Rundumpaket aus ihren Alben schnürt haben, sie belassen es auch selten bei den Studio Versionen. Vor allem Gitarrist Johnny Beck sticht immer wieder hervor mit fantastischen Gilmour-Soli und schlägt daneben wiederholt auch deutlich kräftiger an als auf den Studioversionen, was die herrlichen Keyboardflächen wunderbar kontrastiert. Sänger Marco Glühmann zieht da mit mehr Power in der Stimme locker mit. Das geht los mit seinem Freudenschrei im ersten Song, der ausdrückt, wie froh sie sind, wieder auf der Bühne zu stehen, geht über mehrere kraftvolle Auszüge aus dem aktuellen Album „One to Zero“, über vier- bis 13-minütige Songs und hält an bis zum überragenden „Posthumous Silence“-Finale. 92 Minuten, die viel zu schnell vorbei sind. (Auch als DVD erhältlich!)

Für KW 28: Rendezvous Point - Dream Chaser (Long Branch Records / SPV)

Ich muss auf den Anfang meiner Review zum Album von Caligula`s Horse, „Charcoal Grace“ (KW 4) zurückkommen, die da genannte Zahl der Bands von vier auf fünf erhöhen und um Rendezvous Point erweitern: Auch die Norweger machen ihre Sache auf ihrem dritten Album extrem gut. Spannender Prog Metal zwischen Hookline, Breaks und Taktwechsel. Immer wieder überraschend, aber trotzdem eingängig. Gut gemacht! Abwechslungsreiche Songs, geniale Breaks und Tempowechsel, tolle Hooklines, grandiose Soli und noch ein paar symphonische Elemente im abschließenden „Still Water“. Das Quintett um Leprous-Schlagzeuger Baard Kolstad erzeugt viel Spannung und liefert ab. Ein tolles Album, mit dem sie, wie eingangs erwähnt, in die Riege der Bands Haken, Teramaze, Soen und Caligula´s Horse aufsteigen, ohne ihnen dabei irgendwie zu nahe zu kommen. Ganz im Gegenteil, jede der genannten Bands hat ihre ganz eigenen Qualitäten. Bei Rendevous Point kommt mir zudem auch The Intersphere wiederholt in den Sinn. 

Für KW 27: Airbag - The Century of the Self (Karisma Records)

Die Norweger sind ein wenig entspannter geworden, was die Veröffentlichungsrhythmen ihrer neuen Alben betrifft. Seit Gitarrist Bjørn Riis auch Soloalben veröffentlicht, scheinen die Songideen besser aufgeteilt zu werden. Was am musikalischen Grundkonzept der Band nicht viel geändert hat: Sie stehen immer noch, ebenso entspannt, für erstklassig ausgefeilte Komposition im Klangkosmos von Pink Floyd, wiederholt unterbrochen durch ein paar lautere, bzw. härtere Elemente, was sie in die unmittelbaren Nähe von Bruce Soords Pineapple Tief bringt. Und das steht ihnen ausgezeichnet! Fünf Songs gibt es nur, alle über 5 Minuten, in der Spitze bis zu 15 Minuten. Allesamt verfeinert durch flächige Keyboardsounds und markante Gitarren, die immer wieder auf an David Gilmour erinnern. Der geneigte Fan wird es lieben, spektakulär neu ist auf diesem Album nichts, aber durch den Abwechslungsreichtum und die lauteren Elemente ein Album, mit dem man wenig falsch machen kann.

Für KW 26: Kilbey Kennedy - Premonition K

Steve Kilbeys erfolgreichste Zeit war in den späten Achtzigern und frühen Neunzigern - -mit The Church ab dem Hit "Under the Milky Way" und dem dazugehörigen Album "Starfish". Bei mir  so erfolgreich, dass ich anschließend versucht habe, seine Solokarriere mit aufzuarbeiten - was aber recht schwierig war, denn es gab bereits eine etwas unübersichtliche Anzahl von Alben, die zudem aufgrund der Entfernung zu Australien hierzulande relativ schwierig zu besorgen waren. So bin ich über „The Red Eye“ nicht hinausgekommen - glücklicherweise, muss man im Nachhinein wohl sagen, wenn man mein 2004er Interview mit Kilbey richtig deutet...
Seine Kollaboration mit Martin Kennedy ist nicht ganz neu, trotzdem hatte ich die beiden etwas aus den Augen verloren. Umso schöner die Überraschung, als ich von dem neuen Album hörte. Insbesondere umso schöner die Feststellung, dass hier immer noch vieles beim alten, sprich zum Guten ist. Das trifft beim neuen Album vor allem auf die ersten 3,4 Songs zu, die durch eine wunderbare Mischung aus akustischer Gitarre und Gitarrensoli gewisse Pink Floyd-Parallelen aufweisen. Aber auch sonst können die einzelnen Songs durchaus überzeugen. Allerdings machen die beiden es sich etwas einfach, denn die beiden bleiben eigentlich durchgehend im moderaten Slow Mode, was ist beim ersten Hören einfach leicht macht, die Songs zu mögen. denn letztlich fehlt die Abwechslung. Rocksongs wie "Reptile" vom besagten Starfish -Album fehlt hier gänzlich, vom Hitformat wie "Under the Milky Way" ganz zu schweigen, aber ich glaube da möchte Kilbey auch gar nicht wieder hin. Fazit: schön, dass er wieder da ist beziehungsweise schön, dass ich ihn wieder entdeckt habe, aber spektakulär wäre etwas anderes.

Für KW 25: Marco Glühmann – A Fragile Present (Gentle Art Of Music/Soulfood)

So bringt man seinen Namen auch bei denen ins Gespräch, die nicht die Minibooklets der CDs bzw. das Kleingedruckte in den Downloads lesen. :-)  Also: Hand aufs Herz: Wer wusste, dass MArco Glühmann Sänger der Hamburger Artrocker Sylvan ist?
Aber Ehre, wem Ehre gebührt: Er kann’s alleinverantwortlich fast genauso gut. Streng genommen, kann er es genauso gut. Denn verglichen mit dem 2006er Sylvan-Album „Presets“, das die Band immer ihr Pop-, bzw. Frauenalbum genannt haben, schneidet dieses Album mindestens genauso gut ab. Schon durch die Stimme extrem ähnlich, hat er sich auch im Songwriting genügend abgeschaut, um den Stil seiner Band sehr nahe zu kommen. Lediglich auf lange Instrumentalparts verzichtet er größtenteils, hält das Album eher songdienlich, aber die Songs haben es trotzdem in sich. Abwechslungsreich, mal langsam, mal energetisch, besitzen Sie einige Qualitäten. Übrigens: Allein ist Glühmann natürlich nicht, ganz im Gegenteil: Mit Kalle Wallner, Yogi Lang und Markus Grützner hat er fast die gesamte Band RPWL als Unterstützung, alternativ auch Johnny Beck (Sylvan) und Steve Rothery (Marillion) und Billy Sherwood (Yes) als Gastmusiker dabei. Trotzdem bleiben für ihn noch Gesang, Keyboards und Gitarren. Ein tolles Album!

Für KW 24: OK KID - Endlich wieder da wo es beginnt (Epic Records Germany / Sony Music)

Und wenn wir schon bei verspätet vorgestellten Alben sind, dabei ist (noch) gar keine Sommerpause): Ein Album zum zehnten Geburtstag. Und der Name verspricht einiges! Fertiggestellt zum 5. Geburtstag ihres eigenen Festivals in ihrer eigenen „Stadt ohne Meer“, veröffentlicht letztlich doch ein wenig später, ein Hybrid aus Vergangenheit und Zukunft. Neue Songs, überraschende Kollabos und Klassiker im neuen Soundgewand. Nachdem viel zu lange (unfreiwillig, u.a. wegen Corona) auf Pause gedrückt werden musste, sollte es mehr als ein Jubiläum sein. Ein kompletter Neubeginn. „Wir wollen uns nicht daran messen, was wir bisher geschaffen haben, sondern an dem, was wir noch schaffen können.", schreibt die Band auf ihren sozialen Netzwerken. Im April eine erste Tour dazu – aber bereits vor dem zweiten Teil im Juni scheint wieder Schluss zu sein! „Wir lösen uns nicht auf“, sagt Jonas beim Konzert im Mojo, Hamburg. „Wir machen eine Pause. Aber wir kommen zurück“. Das ging jetzt etwas schneller als erwartet und erhofft. Aber die Zwischenzeit versüßen wir uns mit diesem Dutzend. Mit einem Rückblick auf Jonas Highlights als Zauberer der Worte inklusive neuer Meilensteine. Und (u.a. Orchester-)Versionen zum Dahinschmelzen. Bleibt nicht zu lange weg, Jungs (plus neu: Bassmädel)!

Für KW 23: The Smile - Wall Of Eyes (Label: XL Recordings)

Nachdem ihr Album zur Veröffentlichung im Januar irgendwie unter den Tisch gefallen ist, nutzen wir ihr anstehendes Konzert in Hamburger Stadtpark am Samstag, 8. Juni (6 weitere Konzerte in Deutschland folgen bis August), um darauf zurückzukommen. 
Von einem Radiohead(Rh)-Seitenprojekt kann man hier eigentlich schon gar nicht mehr reden, denn während es um Thom Yorkes erstes Baby seit 2016 (Studio-)still ist, ist „Wall Of Eyes“  bereits das zweite The Smile Album. Ein Trio, pandemiebedingt entstanden mit Rh-Gitarrist Jonny Greenwood und dem neuen Mann an den Drums, Tom Skinner, eigentlich eher in der Londoner Avantgarde-Jazz-Szene beheimatet. Während auf den ersten Blick vieles an Rh erinnern mag, ist das letztlich v.a. der verschwurbelte Gesang Yorkes sowie die eher ruhige Stimmung und flirrende Elektronicssounds, die jetzt aber auch nicht so Rh-exklusiv sind. Ansonsten geben sich The Smile sehr abwechslungsreich und v.a. wiederholt psychedelisch (es gab zur Band schon sehr früh Can-Vergleiche). Zwischendurch werden sie (in der zweiten Single) „Friend Of A Friend“ auch mal simpel und songorientierter, The Verve lassen grüßen, und gerade wenn man noch ergänzen möchte:  eher unspektakulär, hauen sie mit „Bending Hectic“ einen Knaller raus. Der Gitarrenstimmsong, möchte man ihn nennen (wie genial ist das, die Gitarre während der Aufnahme zu stimmen?!), mit Harmonien zum Sterben schön. Und dann als wäre das nicht schon genug, schalten sie im zweiten Teil auf Rocksong um, wie man es seit ihrem 93er Debüt „Pablo Honey“ nicht mehr gehört hat. Whouwh! Ein Meisterwerk. Und selbst wenn das die große Ausnahme auf diesem Album bleibt, fragt man sich ob sie sich diese Sounds unter ihrem alten Bandnamen auch getraut hätten, wohl wissend dass sie als Rh ein Vielfaches verdienen könnten. Was bei Ihnen natürlich kein Maßstab ist, also müsste man wohl eher sagen ein Vielfaches an Aufmerksamkeit erregen. The Smile hat bei Deezer 19.464,  Rh knapp 3,5M Fans. Noch Fragen?

Wie auch immer, nehmen wir beide Bands einfach nebeneinander, freuen uns über ein gutes, abwechslungsreiches Album, mit einem spektakulären Ausnahmesong on top und schauen mal wie es weitergeht.

Für KW 22: Matt Page - Apocalypse Garden

An der Seite von Drummer Joey Waters und Bassist Chris Tackett ist Page der Gitarrist und Sänger Teil des genialen Trios Dream The Electric Sleep, die uns in unregelmäßigen Abständen mit Monsteralben im Wall-of-Sound-Breitwandformat begeistern. Die letzte Platte „American Mystic“ liegt rund ein Jahr zurück. Anfang des Jahres begann Page dann, erste Häppchen aus seinem ersten Soloalbum „Apocalypse Garden“ zu veröffentlichen. Und bereits „The Turning” war ein kleines Highlight, im März folgte mit „Massive Stars“ ein weiteres, bevor „Waiting for a Return“ die Vorfreude schon extrem steigerte: Neben „Chasing the Sun“ eins der Highlights des Albums, das mittlerweile veröffentlicht ist, zumindest aus Sicht des Dream The Electric Sleep-Fans. Denn wie es sich für ein Soloalbum gehört, schlägt das Album nicht in dieselbe Kerbe seiner Band. Ganz so extrem wie Page es selbst beschreibt, nämlich als eine Mischung aus Alternative Rock meets Progressive Pop meets Folk Americana würde ich es, v.a. was den letzten Teil betrifft, nicht bezeichnen, aber es ist schon weniger Wall of Sound. Don Henley, Kansas, Asia und Peter Gabriel oder aber die Spät-Achziger Simple Minds wären mögliche Orientierungshilfen, ohne jetzt direkte Vergleichsmöglichkeiten unterstellen zu wollen. Die Musik und Texte von „Apocalypse Garden“ wurden komplett von Page allein geschrieben, zudem spielte der Sänger aus Kentucky Gitarre, Bass, Keyboards und Drums alleine ein. Produzent, der er ist, übernahm er auch gleich die Produktion, lediglich für den Mix nahm er die Hilfe von Nathan Yarborough in Anspruch. Ein Album, das in einer gerechten Welt durchaus einige Wellen schlagen würde!

Für KW 21: Amarok – Hope (Oskar)

Zum 25jährige Jubiläum gibt es das siebte Album des Polen Michał Wojtas und seinem Projekt Amorok. Anfangs, wie der Name schon andeutet, v.a. von Mike Oldfield inspiriert, ist Pink Floyd ein weiterer, wichtiger Eckpfeiler seines Sounds geworden. Und für das neue Album würde ich noch die Dire Straits mit ins Feld führen wollen, denn es gibt mehrere Momente, die an Mark Knopfler(s Songs) erinnern („Insomnia“; ), sowie in den ruhigen Songs die Norweger Gazpacho. Gitarrenbasierter und stark keyboardunterstützter Rock zwischen Melodie, Prog, Folk und Ambient würde ich das hier zusammenfassen wollen – wobei die letzten beiden Zutaten nicht überbewertet werden sollten. Sie bringen nur weitere Klangfarben mit ein in einen Sound, der immer wieder atmosphärisch sehr stark ist, tolle Gitarrensoli beinhaltet und ansonsten abwechslungsreich zwischen Rocksong, Groove bis hin zu ganz ruhigen Momenten einiges zu bieten hat. Dabei beginnt es etwas holprig: Der ansonsten gute Gesang von Michał Wojtas ist zunächst etwas ungewöhnlich akzentuiert („stay huMÄN“), im Opener versucht sich seine Frau Marta im (leider nicht akzentfreien) Sprechgesang und zum Abschluss gibt es einen Song in polnisch, ansonsten gibt es aber nichts zu meckern. „Trail“ überrascht mit einem Trance-Rhythmus, kann aber auch in dem Rock-Umfeld durchaus überzeugen – und dank seiner variablen Gitarrenparts auch definitiv mehr als Galahads Versuche in dieser Richtung. Ein Album, das mich v.a. mit seinen verschiedenen Atmosphären gepackt hat!

Für KW 20: Hot Water Music - Vows (End Hits Records / Cargo|The Orchard)

Du würdest dich über ein neues Album von Stilkin freuen? Oder trauerst den frühen Tagen von Gaslight Anthem hinterher? "Those Days are over now, this is your new place to call home", um mal Hot Water Music (frei) zu zitieren (Bury Us All). Die alten Fans wissen natürlich längst, was sie hier erwarten können, neue Fans werden gerne hinzu genommen: Hot Water Music ist die energetische Indie-Rockmischung mit leidenschaftlichen, melancholischen Gesang, die dir die Ohren freiblasen. Früher hieß das mal Punk, dann hieß es Grunge, heute schlicht Alternative Rock - also der neue Mainstream :-) The times they are a-changing. "Vows" ist - pünktlich zum 30. Jubiläum - das zehnte Album der Truppe um Sänger Chuck Ragan, und ich würde sagen, wieder einmal alles richitg gemacht. Im November kommen sie damit auch noch Deutschland auf Tour!

Für KW 19: Kings Of Leon - Can We Please Have Fun (Capitol / Universal Music)

Die Kings of Leon blasen zum Großangriff. 2024 soll ihr Jahr werden: Mit groß angelegter US-Tournee und Übersee-Festivalauftritten (unter anderem als Headliner beim Deichbrand Festival) und vor allem mit diesen neuen Album. Und sie haben auch schon die Big Player identifiziert, die ihnen dabei helfen sollen: Im Indie Rock Sektor haben sie lange genug an ihrer Credibility gearbeitet, haben langsam ihren Weg in den musikalischen Mainstream gebahnt. Neben Capitol als neuem Plattenlabel und Live Nation als Tour Partner, jetzt folgt der breitenwirksame Angriff aufs Radio. Und nicht nur der Opener "Ballerina Radio" ist dazu geschaffen, sich hier an den Mann oder an die Frau zu bringen. Das Album strotzt nur so vor radiokompatiblen Songs, mit harmlosen Allerweltstexten ausgestattet aber immerhin gewürzt mit ziemlich cooler Rock Instrumentierung und natürlich der genialen Stimme von Caleb Followill. Die beiden Rock Tracks haben sie legitimer Weise auf die zweite Hälfte des Albums gepackt. "Nothing to Do", der mit seinem R.E.M. Charme an die ruppigeren Indierocktage erinnert und "Hesitation Generation", das zudem das typische, unnachahmliche coole Flair dieser Band besitzt, sehr passend ergänzt noch durch das dazwischen platzierte „Television“, werden die Songs sein – auf die sich die alten Fans stürzen werden. Ob die sie davon abhalten werden, einen Ausverkauf zu beklagen, bleibt abzuwarten. Falls es also wirklich noch jemanden gibt, der diese großartige Band noch nicht für sich entdeckt hat, man wird 2024 nicht an ihnen vorbeikommen. Die Kings of Leon haben – dem Albumtitel folgend mit viel Spaß – vorgelegt, nun werden wir sehen, ob die Welt bereit ist für sie. 

Für KW 18: Carpet - Collision (Kapitän Platte / Cargo Records)

Das Sextett aus Augsburg ist zurück mit dem zweiten Streich. Nachdem der erste schon extrem gut angekommen war, dürfte sich der Interessentenkreis mit „Collision“ noch weiter vergrößern. Wobei die Zielgruppe nicht klar definiert werden kann – was für manche Band manchmal ein Problem scheint, weil sie nirgends zugehörig scheinen. Carpet überzeugen aber durch ihre Energie und Spielfreude sowie ihre problemlose Art, die Stile zu vermischen und die guten Songs, die dabei im Vordergrund stehen. 
Das beginnt im Opener „The Moonlight Rush“ damit, dass der vermeintliche Blues/Retro Rock Rhythmus ungewöhnlich schräg, bzw. vertrackt ist. Setzt sich fort im fetten Sound einer Postrock Offensive und wird nach 4 Minuten komplett aufgebrochen durch Break und zurückhaltende Bläsersounds, bevor der Song für die finalen anderthalb Minuten zurückkehrt zum Rock. Und ist es genau dieses Wechselspiel aus klassischen Zutaten und unvorhersehbaren Momenten, dass dieses Album so spannend macht und über den Durchschnitt hebt. Rock, Blues, Psychedelic, Retro- und Postrock werden mit Versatzstücken aus Prog erweitert und zu einem Gesamtmix vereint, der keinen Rockfan außen vor lässt. Beeindruckend, zeitlos, begeisternd.

Für KW 17: Transatlantic  - Live at Morsefest 2022: The Absolute Whirlwind
(InsideOutMusic/Sony Music)

Mehren sich die Anzeichen für ein Ende der Band? Obwohl noch nicht offiziell für tot erklärt, beginnen die Hinterbliebenen mit einer Testamentseröffnung. Hier: Morsefest 22. Was für ein Fest! Dabei war schon die letzte Veröffentlichung  The Final Flight Live At L'Olympia vor gut einem Jahr ein Live-Album, nämlich die unglaubliche Dokumentation ihrer Tournee zum fünften Album „The Absolute Universe“. Das Konzert beim Morsefest im April 22 war auch Teil dieser Tournee, nur spielten sie hier zwei Abende hintereinander und mit zwei unterschiedlichen Sets. In der ersten Nacht spielte die Band "The Whirlwind" in seiner Gesamtheit, zum ersten Mal seit 10 Jahren. Dazu gab es Songs aus dem vierten Album "Kaleidoscope" sowie u.a. den Procol Harum-Klassiker "In Held 'Twas In I" vom Debütalbum "SMPTe", den sie bislang noch nie live gespielt hatten. 
In der zweiten Nacht wurde „The Absolute Universe - The Ultimate Edition“ in voller Länge aufgeführt, die alle Titel der beiden Versionen des Albums vereint. Abgerundet wurde das noch mit einem Medley der Longtracks der ersten beiden Alben der Band. Das Ganze wurde erweitert von einem Chor und einer Streichergruppe, viel großartiger kann man ein so besonderes Wochenende gar nicht begehen. Jetzt festgehalten auf 5 CDs + 2 Blu-ray und den üblichen Spielereien drumherum, ein absolutes Juwel. Es ist nur schwer vorstellbar, dass das alles gewesen sein soll….

Für KW 16: Pearl Jam - Dark Matter (Monkeywrench-Republic / Universal)

Auf englisch würde ich sagen ´the opener sets the pace´, denn er steht exemplarisch für den Härtegrad des Albums. Da gab es sicherlich schon härtere Alben, im Bereich dessen, was man mal als Grunge bezeichnete, bewegt sich dieses Album noch immer, aber es gibt keine extremen Ausreißer. Höchstens im Hinblick auf zugängliche/Pop-Momente. "Wreckage" ist fast eine Ballade mit Tom Petty-Momenten, "Won’t Tell" hat, v.a. in der Gitarrenarbeit den U2-Moment, auch das erste Highlight "Upper Hand" startet soft, bevor es sich erst im letzten Teil zur Rockhymne steigert - und "Got to Give" hat den (sich wiederholenden) David Bowie-Moment ("Let`s Dance"!), aber das sind alles Vergleiche, die Pearl Jam jetzt nicht in unnötig flache Gewässer manövrieren. Den gegenüber stehen ein paar kräftige Rock Songs und ein paar echte Hymnen. "Dark Matter" und klasse abwechslungsreich, macht extrem viel Spaß und geht viel zu schnell vorbei. Vor allem wenn sie wie in "Waiting for Stevie" auch noch einen echten "Alive"-Nachfolger auspacken, der spätestens live zum echten Monstersong hochgeschraubt werden könnte. Live sind sie übrigens am 2. & 3. Juli in der Waldbühne, Berlin...

Für KW 15: Kettcar - Gute Laune ungerecht verteilt (Grand Hotel van Cleef / The Orchard / Indigo)

Für alle die noch nicht eingeschlafen sind: Vielleicht ihr politischstes Album! Gar nicht mal unbedingt ihr bestes, ich glaube, das bleibt für mich "Ich vs. wir", aber einmal mehr mit Texten, die man gehört haben sollte. Mit Aussagen auf den Punkt gebracht, ohne übertriebene Wiederholungen im Sportfreunde Stiller-Stil aber mit genügend Nachdruck, um Eindruck zu hinterlassen. Also machen sie zu ihrer Waffe, was sie in die Hand nehmen (frei nach: "Blaue Lagune"): Stift (Bassist Reimer Bustorff und Hauptsongschreiber Marcus Wiebusch) und Mikro. Verpackt in Songs, die einmal mehr die komplette Bandbreite von Rockgewitter bis Akustiksong besitzt, inklusive aller Qualitäten, die man von ihnen kennt. 
Sieben Jahre seit ihrem letzten Album, was sogar bei ihrem Rhythmus extrem lange ist. Aber immerhin gab es eine EP und ein Live-Album zwischendurch, dann noch Corona, da will man auch gar nicht unnötig drängeln. Aus dem Alter chartshungriger Boygroup-Kollegen sind sie eh raus, da dürfen die Kreativität und Songs auch gerne in Ruhe reifen. Aber jetzt geht es wieder los:  Die Tournee läuft bereits, Nachschlag im Sommer ist bereits gebucht. Also lasst sie euch nicht entgehen. Denkt dran: „Nicht alle in Hamburg wollen zu König der Löwen“ („Einkaufen in Zeiten des Krieges“)

Für KW 14: MONKEY3 - Welcome To The Machine (Napalm Records)

Mensch vs. Maschine: Welcome To The Machine ist inspiriert von Filmen wie 2001: A Space Oddissey, Matrix, Sunshine, Solaris oder 1984. Dabei scheint der Weltraum die ideale Spielwiese, um ihrer Mischung aus Rockgitarren-Soundgewittern und elektronischen Sounds und Spielereien freien Lauf zu lassen. Und wenn man sich drauf einlässt, schaffen die Schweizer es auch ohne Gesang, Geschichten zu erzählen. Vorsichtig herantastend, mit voller Gewalt laut polternd, experimentell erforschend, hin und her gerissen zwischen melodischen Phasen und progressiven Breaks bietet "Welcome To The Machine" maximale Abwechslung. Und passend zum Albumtitel erinnern sie dabei nicht selten an Pink Floyd, v.a. im abschließenden 13minütigen "Collapse". Großes Kino!

Für KW 13: sleepmakeswaves - It’s Here, But I Have No Names For It (Bird's Robe Records / MGM)

Nicht lange fackeln: Eine halbe Minute lang beginnt die CD mit unheilvollem Brodeln und dann gehen sie gleich in die Vollen. Die Australier entscheiden sich für den größten Teil ihres neuen Albums, ihren PostRock in der energetischeren Variante aufzufahren. Acht Songs zwischen drei- und achteinhalb Minuten, die einem mit mitreißenden Gitarrensoli um die Ohren fliegen, nur vereinzelt durch atmosphärische Breaks unterbrochen. Dabei hauen sie immer wieder spannende Hooklines raus, die es in der Tat schaffen, sich auch ohne Gesang und Refrain  im Ohr festzusetzen. Zwischendurch gibt es auch zwei ruhigere Songs, so dass auch das Album als Ganzes ein abgerundetes Wechselbad darstellt, bei dem keine Langeweile aufkommt. Und dann dieser Albumtitel… klasse!

Für KW 12: RPWL - True Live Crime (Gentle Art Of Music/Soulfood)

Elf Studioalben haben uns die Freisinger in den letzten 24 Jahren kredenzt, das letzte gab es 2023, einmal mehr ein Konzeptalbum und einmal mehr sehr erfolgreich: In den deutschen Albumcharts startete es durch bis auf Platz 18. Es folgte eine lange Europa-Tour durch 8 Länder, das vorliegende Live-Dokument (2CD / Blu-Ray) ist der Nachschlag. Ein komplettes Konzert der Tour. Wie bei Konzeptalben nicht ungewöhnlich, gibt es zunächst die komplette Aufführung des Albums “Crime Scene” in seiner Gänze und am Stück. Die zweite Hälfte besteht dann aus einem Querschnitt durch ihre Diskografie – was bei 6 Songs aus 10 Studioalben zwangsläufig etwas beschränkt bleibt. Aber sie bilden einen starken Kontrast. Nach der v.a. inhaltlich, selten wirklich musikalisch schweren Kost gibt es u.a. mit “Hole in the Sky”, “Unchain The Earth” und dem im Original mit Unterstützung von Ray Wilson eingesungenen „Roses“ drei ihrer „Hits“, also die Art von Kompositionen, die von ihren Vorbildern Pink Floyd locker zum Hit hätten werden können. Die Freisinger haben diese Marktwirkung nicht ganz, Hits sind es irgendwie trotzdem. Auf "Crime Scene"gab es so einen zwar nicht, dafür hatte es andere Qualitäten, die sich teilweise auch erst nach mehrmaligen Hören entfaltet haben. In seiner Kombination ist das hier einmal mehr ein beeindruckendes Beispiel ihrer Fähigkeiten. 

Für KW 11: Royal Tusk - Altruistic (MNRK Music)

Ich habe früher schon immer bei Three Doors Down (was machen die eigentlich heute?) gesagt, dass sie im Prinzip die ihn moderne Version des Hardrock der 80er sind. Darauf im Interview angesprochen, fanden sie die Idee selber allerdings nicht so witzig. Royal Tusk sind jetzt der Missing Link für Three Doors Down und  Europe, die ja auch zuletzt schon immer wieder mehr oder weniger erfolgreich versucht haben ihren Hardrock moderner zu gestalten. Royal Tusk machen das deutlich erfolgreicher mit wirklich gelungenem, meist eher kräftigem Rock zwischen Hardrock & Alternative Rock! In manchen Songs erinnern sie auch an die Blackout Problem, bzw. Badfinger. Sehr cool. Tolles Album, abwechslungsreich, gute Songs, kein Ausfall.

Für KW 10: Big Big Train - The Likes of Us  (InsideOutMusic / Sony Music )

Jetzt also Album #1 nach dem wunderbaren Sänger David Longdon, der die Band 12 Jahre lang in eine neue Liga angeführt hatte, und der Ende 2021 nach einem Unfall verstarb. Schon das 2022er „Welcome to the Planet“ war posthum veröffentlicht, 2023 gab es sogar noch die atemberaubende Zugabe, „Ingenious Devices“ mit neu aufgenommenen und mit Orchester erweiterten Aufnahmen, auf dem sie noch einmal alle Register gezogen und die Messlatte ein weiteres Mal höher gelegt haben. Das macht es für „The Likes of Us“ nicht leichter, aber vielleicht brauchten sie ja den Druck. Das Album besteht aus 8 Songs, die diese Herausforderung annehmen und dabei eine beeindruckende Figur machen. Mit einem Sänger, der zwar anders ist, der es aber schafft, mit seinem ähnlich warmen Timbre eine sehr vergleichbare Stimmung zu erzeugen. Zudem bringt sich auch Drummer Nick D’Virgilio mit Duett- und Backing Vocals immer wieder hörbar genial ein, was in “Miramare” locker Moon Safari-Qualitäten erreicht. Mit 8 komplett neuen Songs, die wie ein Querschnitt durch die gesamte Prog Historie sind und dabei letztlich ein Streifzug durch ihre eigene gut 30jährige Geschichte darstellen. Mit Sounds, die mal an die Genesis, mal Marillion und mal an Steven Wilson erinnern während sie es auch dieses Mal schaffen, diese Einflüsse auf komplett eigene Weise zu verarbeiten und in Songs zu gießen. Und wie alle Genannten, schaffen auch Big Big Train immer wieder den Wechsel aus progressiv-verspielten Passagen und grandios melodischen Auflösungen, garniert mit tollen Soli und Harmonien. Ein Album, dass man problemlos in Dauerrotation hören kann, bei dem man sich dann nur die Texte irgendwann hier und da ein wenig gehaltvoller wünscht.

Für KW 9: The Waterboys - 1985 (Chrysalis, Proper / Bertus)

Der besondere Wert ihres 85er Albums "This Is The Sea" ist, glaube ich, unumstritten. Und genau deswegen erhält es auch eine verdiente Würdigung in Form einer solchen Box. Selbst wenn ich die Waterboys die Jahrzehnte danach immer im Auge hatte und mehr oder weniger verfolgt habe, hat kein Album die Reife und Qualität dieses 85er Meisterwerks erreichen können. Und hatte ich mich anfangs noch über die Aufteilung gewundert, dass nämlich das Album selber erst CD Nummer sechs in dieser Box darstellt, wird die Reihenfolge beim und spätestens nach dem Hören klar und logisch. Denn es geht hier nicht um eine Neuauflage in remasterter Qualität mit Bonustracks und sonstigen Extras, sondern um das Drumherum und v.a. den Weg dahin.
Vor ein paar Jahren hätte ich mich richtig über so eine Box gefreut, denn das ist ja eigentlich genau das, was das Sammlerherz so möchte. Demos, Entwicklungsstadien, unveröffentlichte Songs, was will man mehr? Insgesamt 95 Tracks, davon 64 bisher unveröffentlicht, dazu ein 220-seitiges Booklet! Aber die Betonung liegt auf vor ein paar Jahren, denn abgesehen davon dass ich jetzt nicht mehr unbedingt auf der Suche bin nach einem derart umfassenden Überblick über die Entstehungsgeschichte dieses tollen Albums, habe ich vor ein paar Jahren auf YouTube so grandiose Live-Videos dieser Band gefunden, dass ich ein paar davon in solch einer besonderen Box viel spannender gefunden hätte.
So kann man die Detailtreue an dieser Stelle gut finden, oder nicht, mir hätten ein paar Live Versionen Der Songs – sozusagen als Die Entwicklungen danach, noch mehr gebracht. So oder so: Am Ende wird klar, dass das Album in seiner veröffentlichten Version die bestmögliche Version der Waterboys und der Songs für dieses Album darstellt. 2, 3 Songs dieser Sammlung hätten bestimmt noch mit zum hohen Qualitätsstandard gepasst, allen voran das wirklich tolle und zu Unrecht versteckte „The Ways Of Men“ und eine Extended Version des ein oder anderen Songs ist sicherlich spannend für Fans, aber Alben waren in den Achtzigern eben nur 45 Minuten lang die sind so optimal gefüllt, genau das macht CD 6 dieser Box deutlich.

Für KW 8: Revolution Saints - Against the Winds (Frontiers Records)

Ein fast offizielles Journey Album. Nachdem Drummer Dean Castronovo nicht nur Journey Songwriter und Teilzeitsänger ist, sondern auch bei Neal Schon solo den Journey-Anteil singt, und zudem Journey jetzt nicht die fleißigsten Albumveröffentlicher sind, ganz im Gegensatz zu Dean Castronovo, wird es wohl niemanden stören, dies als Journey II durchgehen zu lassen. Zumal Gesang und die instrumentalen Beiträge von Jeff Pilson und v.a. Gitarrist Joel Hoekstra Extraklasse sind. Die Songs sind dieses Mal nicht durchweg spektakulär, aber das sind sie bei Journey auch nicht immer. Die Zutaten sind dieselben, einzelne Highlights sind dazwischen: Glückwunsch wenn du (jetzt) zu den Insidern unter den interessierten gehörst. Auch dieses Album lohnt ein Antesten!

Für KW 7: Steve Hackett - The Circus and the Nightwhale (InsideOut / Sony)

Ich beteilige mich eigentlich ungern an „What if“-Spekulationen, aber im Falle von Steve Hackett hatte ich mich unlängst gefragt, warum er eigentlich nicht einfach mal seine alten Schulbandkollegen einlädt, um zu sehen, was da rauskommt. Das Wundervolle an den immer wieder vorkommenden Reunions ist ja, dass sie es immer wieder schaffen, an den alten Sound anzuknüpfen. Und je länger die Pause, desto größer die Übereinstimmungen, was z.T. daran liegen könnte, dass sie einfach kein Problem damit haben, an den alten Sound wieder anzuknüpfen, sondern es stattdessen eher selbst als Herausforderung sehen, genau das zu schaffen. Wie könnte das bei Steve Hackett aussehen? 
Wenn man dann allerdings das neue Album hört fragt man sich unweigerlich: Hat er das überhaupt nötig? Ganz im Ernst: je älter der Genesis-Veteran wird, desto besser werden seine Soloalben. Je mehr er sich mit seiner Vergangenheit versöhnt, desto näher kommt er den alten Trademarks. Das liegt zum einen am richtig guten Songwriting, zum anderen an der immensen Abwechslung (ein Blick auf den Waschzettel verrät: Die liegt u.a. an den zahlreichen Gastbeiträgen von u.a. Roger King, Jonas Reingold, Nad Sylvan, Craig Blundell, Amanda Lehmann oder Nick D’Virgilio) und nicht zuletzt an der Furchtlosigkeit, sich an genau diesen alten Trademarks zu bedienen. Komplexe Song-Arrangements, Songs, die ineinander übergehen und zu Longtracks verschmelzen. Und wenn er dann noch, wie im Beginn von „Wherever You Are“ ein Genesis-Zitat verwendet, dann hebt das seine eigenen Songs noch mehr in den Fokus. Ansonsten reicht die Bandbreite dieses Mal von klassischen Streich(el)einheiten (wunderbar!) bis zu türkisch anmutenden orientalischen Sounds (gewöhnungsbedürftig). Ganz am Anfang fragt die Stimme aus dem Off „Are you sitting comfortably“, bevor ein Zug gemütlich loszuckelt. Spätestens nach dem 3. Song ist klar, dass dies keineswegs eine ruhige Entspannungsreise wird, sondern eher eine Achterbahnfahrt, soviel passiert hier. Allerdings muss man dazusagen, dass das Album wohl als Ganzes absolut überzeugt, ein wirkliches Song-Highlight gibt es nicht. Was dann doch die Frage aufwirft, inwieweit sich das durch die (oder alternativ auch nur einen? der) o.g. Band-Kollegen ändern würde. Aber ich fürchte, das bleibt eine What-if-Spekulation. Für seinen Auftritt bei der (finalen!) Loreley Night of the Prog Auftritt ist er hiermit jedenfalls bestens gerüstet.

Für KW 6: Daniel WIRTZ - DNA (Label: Wirtzmusik)

Der erste Gedanke zur Wandlungsfähigkeit eines Musikers, den ich gerade zum neuen Neal Morse-Album gesponnen habe (s.u.), lässt sich an dieser Stelle nahtlos weiterdenken. Denn auch Daniel Wirtz ist ein Musiker, der sich seit seiner Wandlung vom (Englisch singenden) Sub7even-Frontmann zum Solokünstler (mit deutschen Texten) zwar immer wieder neue Themen sucht, variiert gerne seine Lautstärke und Geschwindigkeit, hat mit seinen Unplugged Alben und Tourneen bewiesen, dass seine Songs auch ohne Strom wunderbar funktionieren, aber bleibt sich doch letztlich immer treu. Das gilt auch für sein neues Album, das erste Studioalbum seit 7 (!) Jahren. Womit die Pause länger war, als je zuvor, o.g. Tourneen und natürlich die Pandemie haben ihren Teil dazu beigetragen. Vielleicht war es ihm deswegen schon fast ein Anliegen, zu beweisen, dass er trotzdem noch der Alte ist. Also rockt er zu fetten Gitarrenriffs und treibenden Drums in den beiden Openern „DNA" (sic!) und „Dünnes Eis“, bevor es mal grooviger oder auch ruhiger wird. Er thematisiert Haltung und den Krieg und überzeugt auch sonst mit guten Texten. Trotzdem: Erst ein Highlight wie „Atlantis“ zeigt aber, dass er auch gerne etwas mehr experimentieren könnte. Ansonsten darf man sich freuen, dass er wieder laut ist!

Für KW 5: Neal Morse - The Restoration – Joseph: Part Two –
(Frontiers Music)

Zum Geburtstag die alten Freunde einladen :-) Da passt dieses Album doch allerbest! "Die Alben von Neal Morse berühren mich immer weniger", erzählte mir neulich ein Freund. Kann passieren, geht bestimmt auch anderen so. Aber woran liegt das? Denn eigentlich hat er ja nichts geändert. Also ist genau das vielleicht der Hauptgrund? Müssen sich Künstler weiterentwickeln um relevant zu bleiben? Das muss wohl jeder für sich selbst und für jeden einzelnen Künstler entscheiden. Tatsache ist, dass auch der zweite Teil seines Joseph Musicals ein Album ist, dass man über Stunden auf Repeat hören kann und sollte, weil man nur so immer tiefer eindringt in die Story und in das Sounduniversum dieses Albums. Das ist einmal mehr riesengroß und reicht von Spock´s Beard-Satzgesang, Stakkatorhythmus-Frikkelprog über ganz ruhige Passagen bis zu großen Bombastrock-Steigerungen. Also das typische Morse-Repertoire, in typischer Qualität und mit maximaler Abwechslung. Die zahlreichen Sänger_innen tragen genau dazu bei: Neal Morse, Ted Leonard, Ross Jennings, Talon David um nur einige zu nennen. Wer mehr braucht, hat sich vielleicht einfach noch nicht genug Zeit genommen!

Für KW 4: Caligula`s Horse - Charcoal Grace (InsideOutMusic / Sony Music)

Sie sind die vierten im Bunde mit Haken, Teramaze und Soen. Auch Caligula´s Horse haben bereits mehrfach bewiesen, dass sie die brillante Kunst beherrschen, ProgMetal mit soften Vocals und herzzerreißenden Melodien zu einem wunderbaren Ganzen zu verschmelzen und damit die Tore zu verschiedenen Genres weit aufzureißen. Da macht auch das neue Album keine Ausnahme. Und wäre es ihr erstes, wäre meine Rezension an dieser Stelle noch viel überschwänglicher. So muss man konstatieren, dass sie ein weiteres Mal tolle Songs und Melodien und Ideen abliefern, dass die Überflieger Highlights, die man jedem ans Herz legen möchte, aber nicht unbedingt dabei sind. Denn trotz mehrfachen Hörens bleibt nicht ein einzelner Song beeindruckend, sondern eher das Album als Ganzes. Anders ausgedrückt: willst du einen Anspieltipp? Such dir einen Song aus, sie sind alle schlicht großartig. Das beginnt mit dem 10-minütigen Eröffnungsstatement „The World Breathes With Me” über kürzere Songs zwischen 4 und 6 Minuten und dem 24-minütigen Zentrum des Albums, der vierteiligen Suite des Titeltracks bis zum 12minütigen Abschluss „Mute“ – also, welche Länge passt dir am besten?

Für KW 3: SLIFT - ILION (Sub Pop Records / Cargo)

Eine der ersten Veröffentlichungen des Jahres, denen man sich nur sehr schwer entziehen kann. Eigentlich haut sie dich spontan aus den Socken und walzt dich einfach um. Vor allem letzteres Bild wird ja gerne für diesen Dampfwalzensound des Postrock verwendet, wenn er mit dieser Macht und dieser meterhohen Wall of Sound ertönt. In seiner (Stoner Rock-)Härte mit seinen Metalgitarren und dem etwas gröligen Gesang mag man zunächst noch etwas befremdet sein, aber wenn du dich darauf einlässt, dann lässt er dich nur schwer wieder los. Kaum zu glauben, dass diese Soundgewalt von einem Trio, bestehend aus den Brüdern Jean and Remí Fossat und Canek Flores aus Frankreich stammt. Das erinnert an …And You Will Know Us By the Trail of Dead, in seinen melodischeren, bisweilen auch psychedelischen Momenten auch an das monumentale letzte Werk von Earthside. 2017 gab es eine erste EP, gefolgt von zwei Longplayern und der zwischendurch auf youtube veröffentlichten KEXP Live Session, die es auf mehr als 1,4 Millionen Klicks brachte. Sie haben also mittlerweile ein gewisses Selbstverständnis entwickelt, das sie jetzt in 80 Minuten Sound gegossen haben, verteilt auf 8 Songs, von denen 3 die 10-Minuten-Marke hinter sich lassen und nur einer deutlich unter 8 Minuten bleibt. Sehr gelungen!

Für KW 2: Giant Sky  - Giant Sky II (GlassVille Records)

Erlend Viken ist Songwriter bei Soup, dieser norwegischen Mega-Band mit dem un-google-baren Namen. Mit Giant Sky hat er sich noch einen zweiten Output geschaffen, für den er sich die Zusammenarbeit mit Musikern u.a. des Trondheim Symphonic Orchestra, Combos, WZRD, und Motorpsycho gesichert hat. Während es darüber hinaus wenig Infos über die Besetzung gibt, kann die Musik auch für sich allein sprechen. Die Vergleichbarkeiten sind offensichtlich, v.a. in den 5 Highlight-Songs des Albums (von 13), die mit 35 Minuten schon allein die Hälfte ausmachen. Hier erweitert Viken den Soup-Sound zwischen Long Distance Calling und Anathema aus Art- und Post-Rock Versatzstücken gemischt mit Archive-ähnlichen, ruhigen Momenten um Zutaten wie weiblichen Gesang (der den männlichen bisweilen ergänzt), Post-Rock-Steigerungen und instrumentale Zwischenspiele, die vereinzelt Pink Floyd-Referenzen aufweisen. Daneben gibt es Songs zwischen symphonischen und elektronischen („Speak Through Walls“), Ambient („Space Farrier“) oder mystisch-psychedelischen Elementen („The Present“), aber immer wieder holt er gerne auch die PostRock-Wall-of-Sound-Keule raus. Ein sehr kurzweiliges, abwechslungsreiches wie spannendes Album!

Für KW 52_2 / KW 1: Dirt Buyer - Dirt Buyer II (Bayonet Records)

Radiohead-Fans aufgepasst: mit seinem neuen Album präsentiert sich Joe Sutkowski mit bestem Referenzen zwischen Akustik, Indie und Emo-Rock. Das Album lebt vom ständigen Wechselspiel aus mehr oder weniger entspannten, akustisch-geprägten Phasen und elektrifizerten Rockausbrüchen, mal mehr mal weniger eruptiv und dramatisch. Wie Radiohead in ihren besten Indie-Rock-Momenten („Creep“). 
Dabei definieren die ersten beiden Songs ihre Bandbreite: Der Opener „Dirt Buyer II Theme“ entwickelt sich vom leisen Beginn immer mehr zum Rockkracher inerhalb 3:17, der folgende „Heavy“ (sic!) kommt in 1:12 auf den Punkt. Erst das abschließende „On & On“ bringt es wieder (und mit 4:23 weit!) über die 3-Minuten-Grenze. Und dann ist nach 31 Minuten auch schon alles gesagt.